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ASTERO-H, c’est 5 pirates déjantés, rockeurs au grand cœur, ayant gardés leur âme d’enfant ! Au gré de leurs aventures, replongez avec nostalgie dans les chansons qui ont marqués votre mémoire, en les redécouvrant à la sauce Rock ! 

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Chanter pour émanciper la femme africaine et révéler au monde le matrimoine culturel congolais. Une rencontre unique entre les berceuses bantu du Congo et des instruments traditionnels DIY avec les musiques électroniques et le hip-hop. Sur les productions hip-hop électroniques explosives, rythmées par les berceuses ancestrales et le flowpercutant de Maman Gladys, le groupe évoque de nombreuses thématiques chères à la population congolaise.

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Le blues est sans doute la musique la plus universelle au monde. La racine de toutes les musiques populaires américaines (et donc mondiales) du XXè siècle. Les ancêtres de ses interprètes originaux sont en Afrique, et son berceau dans le Mississippi. Depuis ses premiers enregistrements il y a 100 ans, le blues a fait le tour du monde, converti des générations d’adeptes, été traduit, chanté et joué dans toutes les langues, sous toutes les latitudes. Mais jamais comme Muddy Gurdy.

Ce trio vient d’Auvergne, les Appalaches du centre de la France. Il est constitué d’une chanteuse guitariste qui pourrait être la fille spirituelle de RL Burnside et Jessie Mae Hemphill, d’un percussionniste amateur de rythmes latins et d’un joueur de vielle à roue de renommée internationale. Muddy Gurdy a enregistré son premier album comme un voyage initiatique, sur le terrain dans le Nord du Mississippi, avec des musiciens locaux.

Homecoming est le second, enregistré en Auvergne comme un pèlerinage païen à la source. Dans une grange, dans des chapelles, dans l’ancienne salle de bal d’un bistro de montagne, dans le cratère d’un volcan en pleine nuit, à la lumière de torches. On y entend des invités locaux, chantres des musiques traditionnelles : un duo de danseurs de bourrée, un harmoniciste, un joueur de cornemuse, un spécialiste du briolage (cet ancien chant de travail des laboureurs)… La musique de Muddy Gurdy vient du blues, mais tout autant d’Auvergne : à l’échelle d’un groupe, c’est une révolution copernicienne, incontestable et brillamment démontrée.

Ce disque accompagne et illustre une réflexion sur les correspondances entre les musiques rurales du monde entier, sur la créolité, sur la modernité et la modernisation des traditions culturelles.

Mais, comme dit le proverbe, Muddy Gurdy ne met jamais la charrue avant les boeufs : Homecoming n’est pas un traité d’ethnomusicologie comparée. C’est juste un grand disque de musique venue de la terre et qui vise les étoiles, qui transcende l’espace-temps et donne le frisson.

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Crimi, c’est une affaire de soul qui ruisselle, une certaine idée du groove qui suinte, à la manière des productions du raï poreux de toutes les influences ou du funk poisseux de La Nouvelle Orléans, sans gommer les passages moins pied au plancher, du style plus mélancoliques.

Crimi, c’est avant tout une histoire personnelle, celle d’un gamin grandi à Lyon dont la grand-mère sicilienne fredonnait des airs immémoriaux. Ce sillon, le saxophoniste et chanteur Julien Lesuisse fertilise dans cette formule qu’il aime baptiser soul de Sicile. Voilà pourquoi on ne sera guère surpris d’entendre ici des modes orientaux, un lyrisme à fleur de voix qui renvoie à sa fréquentation du terreau oranais avec Mazalda.

Crimi, c’est aussi une volonté de refaire vibrer la tradition à travers des chansons originales, des mélodies bien troussées, portées par un son de groupe, du genre sans étiquète. Tous au diapason de cette bande-son tradi-moderne, tout à la fois très codée et très libre.

Crimi, c’est désormais Luci e guai, premier album à paraître chez Airfono en mars 2021. « Lumière et embrouilles », ce titre a valeur programmatique, comme pour dire que rien n’est jamais aussi simple qu’il n’y paraît, en paroles comme en musique. Autrement dit la trame parfaite pour relier tous les fils qui tissent la complexité d’une personnalité, du jazz à la chanson, d’avant-hier à demain, d’ici comme d’ailleurs.

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Cimafunk est la révélation musicale cubaine de l’année 2018. Son mélange audacieux de la Funk, la musique cubaine y et les rythmes africains est une révolution dans le panorama musical de l’île. Son album debut “Terapia” (Production Indépendante, 2017) et surtout ses shows électriques en live ont conquis inexorablement une multitude de publics de La Havane à Paris. Au cours des derniers mois, il a rompu des records d’assistance dans des salles iconiques comme la Fábrica de Arte Cubano, El Sauce et La Tropical.

Cimafunk est un cimarrón*, un être libre qui défie les classifications, un pèlerin en quête de nouveaux métissages musicaux et de la réunion des différentes branches de la musique afro. Il croit au pouvoir du Groove et à la communion cathartique des corps dansant sur un rythme obsédant.

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Remarqué dès son premier album (La Planète Inexplorée, 2018), le bouillant trio toulousain SLIFT est de retour et sortira fin février 2020 UMMON, un double album aux allures de fresque légendaire. Composé lors d’interminables tournées à travers l’Europe en 2019, conçu comme la BO d’un film imaginaire ; UMMON est une odyssée onirique qui met en scène les Titans, leur exil vers les confins de l’espace à la recherche de leurs créateurs, et le retour du Titan Hypérion sur Terre. Au-delà de la musique et du texte, qui prennent ici une tournure bien plus heavy, sombre et cinématographique que sur les parutions précédentes du groupe, il est question de « toutes ces questions auxquelles nous n’aurons jamais de réponses », qui creusent leur sillon dans le coeur des Hommes. 

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Depuis Solide Mirage, cinquième album de Frànçois and the Atlas Mountains sorti en 2017, François Marry a bougé. Vers le XIXème siècle et Les Fleurs du Mal, de Baudelaire, dont il a mis huit poèmes en musique. Vers Essaouira, où il s’est initié à la transe des gnawa. Puis en Europe où il a rassemblé images et mélodies. « J’adore cet état, très onirique et ouvert. Cette sensation d’un champ des possibles, qui permet de se délester pour faire entrer le vide et l’inconnu, des saveurs nouvelles et inattendues. »

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Avec Une fille, Laura Cahen signe plus qu’un deuxième album. C’est un manifeste. Une affirmation d’elle-même, sans détours, de sa personnalité artistique comme de sa sexualité. Elle n’a jamais aussi bien chanté, et, surtout, ne s’est jamais aussi bien racontée.

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C’est « À nous » que parle l’artiste bruxellois de 25 ans. À nous qui, comme lui, avons du mal à trouver notre place, à nous positionner. Noé Preszow (prononcer Prèchof), envisage un monde où solitude et solidarité cohabitent, se complètent. Dans plusieurs chansons qui figureront sur son album à paraître chez Tôt Ou Tard, il est question d’amitié. Que le dialogue soit rompu (« Je te parle encore »), que le départ soit imminent (« Cette route-là »), que la fête soit impossible (« Que tout s’danse »), ou que la vie soit finie (« Les poches vides », dans le décor des années 70), la complicité rêvée ou empêchée est omniprésente.

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Si je savais d’où viennent les bonnes chansons, j’irais là-bas plus souvent.

Leonard Cohen, qui se plaisait à répéter ces mots, nous a quittés le 7 novembre 2016 à l’âge de 82 ans. En cinquante années de carrière, celui que Bob Dylan appelait le Kafka du Blues a eu le temps de nous en offrir, des bonnes chansons, des belles compositions ; une sublime poésie. Son héritage artistique est immense, sa place dans l’histoire de la musique folk l’est tout autant. Une génération tout entière a été marquée par des chansons comme Suzanne, So Long Marianne, The Partisan ou bien encore Avalanche. Cette génération, c’est bien évidemment celle des années soixante, de la libération culturelle et de l’émancipation sociale. Mais Leonard Cohen a franchi les obstacles du temps pour atteindre par la suite une nouvelle audience. C’est le cas d’H-Burns, qui compose, chante et interprète aujourd’hui grâce au Canadien. Ses textes et sa musique ont ainsi donné envie à Renaud Brustlein de faire ce métier, baigné dans sa jeunesse par les albums de Cohen qu’écoutaient ses parents. L’idée de transmission est très forte quand on est musicien, de rendre ce qu’on nous a donné, de partager avec ceux qui nous survivront un patrimoine artistique qui nous semble émouvant, inspirant et fondamental. Transmettre le flambeau à la jeune génération tout en ravivant la mémoire de ceux qui ont grandi avec Leonard Cohen, voilà la nouvelle aspiration d’H-Burns. A un moment de sa carrière où le chanteur originaire de Romans-sur-Isère éprouve l’envie et le besoin de se recentrer sur un artiste qui a marqué sa vie, il souhaite développer plus qu’un projet musical. Il aimerait proposer un concert à la tonalité intimiste, qui serait joué dans les théâtres et qui revisiterait les dix premières années de l’œuvre de Cohen, des Songs du premier album à New Skin for the Old Ceremony. Au cours de ce véritable voyage initiatique, H-Burns ira sur les pas du poète, se rendra sur les lieux où il a vécu, où il a écrit, des cafés et bagel shops du plateau du Mont Royal à la rue Sainte Catherine de Montréal où il a connu ses premières nuits blanches, du Chelsea Hotel qu’il a immortalisé en chanson aux collines d’Hollywood au cœur desquelles il a connu la fin de son existence, jusqu’à son temple bouddhiste. Traversée mémorielle, cet hommage musical sera voué à tourner et à être proposé aux salles. En soutien de ce concert, H-Burns enregistrera sur bandes, dans les conditions des années soixante, un album de reprises, afin de garder l’âme et de prolonger l’esprit de Leonard Cohen.

You know who I am, You've stared at the sun, Well I am the one who loves, Changing from nothing to one chantait Cohen dans Songs from a Room. Avec cette aventure souhaitée par H-Burns, nous serons plongés dans une époque et une vie qui valent la peine d’être contées, suivant ainsi le principe de la tradition orale et de la transmission du patrimoine culturel.

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La Cafetera Roja, c’est le refus des étiquettes, ils ne sont pas rock, pas trip hop, pas reggae, pas chanson, pas jazz, pas latino, leur gloubiboulga, c’est le temps qui l’a mijoté, la “sono mondiale” s’y est invitée, leur langage, ils se le sont inventé. Ils sont aujourd’hui, “hip hop - world“, tout autant que “rock-électro". En quittant Barcelone, leur espagnol se transforme, se mélange au français, à l’allemand, l’anglais, ils fabriquent leur propre esperanto, leur son transpire la joie du jouer ensemble.

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Il y a quelque chose de passionnant à observer les différentes ondulations musicales que Myd a suivies avec le temps. On l’a vu faire le mariole, incognito, sur une croisière all-inclusive, danser sans s’arrêter dans des rues résidentielles de L.A., ou se dandiner lors de ses livestreams CoMyd 19 (“best dance show” selon Billboard devant Calvin Harris et Diplo) parfois seul et suave, parfois goguenard et entouré d’invités. C’est un garçon qui sait faire rire de bien des façons, sans jamais trop se forcer, et qui par ailleurs sait aussi faire de la musique à peu près dans toutes situations. Born A Loser sort le 30 avril sur Ed Banger/Because Music et c’est son premier album après plus de dix ans de carrière et plusieurs EP notamment All Inclusive en 2017. Une carrière qui a démarré avec ses amis de Club cheval, alors qu’il terminait la Femis, à la toute fin des années 2000 : ce prodigieux quatuor de DJ/producteurs venus du Nord de la France, qu’il formait avec Sam Tiba, Panteros 666 et Canblaster, et dont il reste encore très proche, a donné un nouvel élan à la longue histoire de l'électro française. Il est ensuite passé par le label Bromance de Brodinski, a produit des hits pour les rappeurs SCH, Alonzo ou Theophilus London sur « Can’t stop » (feat. Kanye West), a remixé Dua Lipa et Major Lazer, et a été nommé aux Césars 2018 pour la bande originale de Petit Paysan. Aujourd’hui membre de l’écurie Ed Banger, il travaille autant avec le youtuber Squeezie qu’avec l’icône indie Mac DeMarco, et développe son image si singulière aux côtés de la photographe et réalisatrice Alice Moitié. Ce qu’on entend sur ce disque est logiquement la synthèse d’une décennie d’aventures personnelles et sonores : un périple entre la house, la pop et l’atelier bricolage, baigné dans une atmosphère d’été sans fin, à la fois hédoniste et mélancolique.

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Regardez LITTLE BOB sur cette nouvelle pochette : vous comprenez que la légende vivante du rock en France, après 45 ans de carrière, 23 disques au compteur, et des milliers de concerts, n’est pas du genre à retourner en studio juste pour enregistrer un nouveau disque… Non, il le fait parce qu’il en a besoin, qu’il est dans une urgence artistique, à écrire et composer des morceaux qui mettent en musique et en mots ce qu’il a sur le coeur ! Et Bob en a gros sur le coeur, depuis la disparition de « sa » Mimie, sa femme, sa muse, sa partenaire, son âme soeur. Il lui a juré de continuer, alors il serre les poings et revient avec sa seule raison de vivre : le rock’n roll ! Ce nouveau disque est un cri d’espoir, celui d’un homme qui a perdu l’amour de sa vie, mais hurle son amour de la vie. Ses chansons sont des portes ouvertes sur la révolte, l’amour, la lutte, l’amitié…Elles nous réveillent et nous secouent en pleine crise sanitaire, tous enfermés derrière nos masques, et nous redonnent envie d’avenir. Son instrument c’est sa voix, et Bob chante le blues de l’homme seul, et le rock’n roll sauvage du rebelle. Il est comme le partisan, dans sa reprise bluesy de « Bellaciao », celui qui se battra toujours pour la liberté ! Avec son gang de BLUES BASTARDS électriques, il nous tire vers le haut, là où on respire mieux… WE NEED HOPE ! Oui, Little Bob on a tous besoin d’espoir, et de disques comme celui-ci !

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La chanson Silly Boy Blue a été enregistrée en mai 68 par un jeune chanteur inconnu : David Bowie. Ana Benabdelkarim partage avec lui ce goût du risque, cette prise de liberté avec les conventions. Cette mélancolie joyeuse résonne encore très fort dans les rêves de la jeune chanteuse, compositrice, multi-instrumentiste et productrice déjà repérée au sein des Nantais Pégase. En solo, Silly Boy Blue offrait clés en mains dès son premier EP, le plantureux But You Will, un univers personnel et affirmé. Emmêlant sensuellement, langoureusement instruments acoustiques et diableries électroniques, elle se montre plus à l'aise dans un humble maximalisme que dans un minimalisme qui ne saurait contenir ses désirs de fugues, d'outre-pop. Ce qui frappe dans ses chansons : leur méticulosité, leur musicalité, et la mélancolie en special guest. Mêlant voix envoûtante et rythmiques aériennes, le single « Hi it’s me again », prémices d’un nouveau projet à paraitre, est une invitation à plonger dans son univers pop teinté de romantisme noir.

Affirmative et combattante, la voix de KALIKA fait l'effet d'un coup de poing dans un gant de velours. Bam ! Le titre La Chaudasse est à l'image des trois autres morceaux de son premier EP : ça déménage sec mais toujours avec dextérité. Les paroles crues racontent les histoires d'amour et de sexe tumultueuses d'une jeune féministe de 23 ans. « Est-ce que tu dors ? Je me sens très seule » lâche-t-elle à un ex-compagnon trompé sur Tu fais la gueule. « Ne mets plus tes doigts dans mes fesses, ne m'appelle plus ta tigresse/L'été est mort il est parti, le ciel est gris c'est déjà fini. » roucoule-t-elle sur L'Été est mort, enjoignant au dénommé Hector « d'arrêter de s'accrocher ». Seul écart : le morceau Avec les gars, manifeste sur lequel KALIKA parle de mendicité dans le métro et de mépris à tous les étages : « On n'a pas de visa, pas de visage, on ne vaut plus rien /T'étonnes pas si on a la rage. » Fracassantes, les mélodies electro-pop invitent moins au spleen qu'au lâcher-prise cathartique, voire à une jouissive hystérie collective sur un dancefloor détrempé. « C'est un cri » résume-t-elle très bien. Comme une gifle suivie d'une caresse, ajouterait-on. Bourrée d'angoisses, elle écrit pour aller mieux, lorsque l'urgence du hurlement la prend, l'agrippe, lorsqu'elle ne peut s'en défaire qu'en l'emprisonnant dans un morceau. De nuit puisque c'est là que le silence se fait enfin. Alors KALIKA la couche-tard compose dans le petit studio qu'elle s'est aménagée dans son appartement parisien. Celui-là même qu'elle partage désormais avec Balthazar, son guitariste qui lui donne un solide coup de main sur la mise en œuvre de son projet.

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Un spectacle d’une heure avec les morceaux de l’album précité et d’autres titres des précédents livre-disque pour enfants « Ma Tata, mon Pingouin, Gérard et les Autres » et « Pouêt ». Tous, réarrangés pour la scène et pour l’intervention des enfants. Une part de mise en scène et histoires (mais aussi présentation simple et rapide des instruments divers que les enfants ne connaissent pas). Côté musique, c’est une déferlante de sonorités allant du rock à la bourrée auvergnate, du tango argentin au reggae et une multitude d’instruments divers joués par François ! Dans le monde de Pigalle, la chanson enfantine ne minaude pas, elle est alternative et carrément décalée. 

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Blond Neil Young (BNY) est un spectacle musical consacré au chanteur canadien Neil Young. Tout le monde connaît sa musique mais peu de gens connaissent l’homme. Stephane Louvain (The Little Rabbits, French Cowboy, Le Ballon Rouge …) entouré de six musiciens de grande classe, raconte, à base d’anecdotes, ses passions, ses rencontres, ses engagements, ses enregistrements, sa vie à travers ses morceaux emblématiques. Parfois gravement mais toujours avec humour, ce spectacle musical réjouira un public de sept à soixante dix sept ans !

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Que reste-t-il des Wampas lorsque guitares électriques, basse et batterie sont confinées?

Accompagné par la pianiste TF Eliz, Didier se mue en crooner punk pour réinterpréter les morceaux des Wampas et leur insuffler une dimension inédite. Vos émotions risquent d’être titillées, sans jamais perdre leur rock n’roll !

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Les Frères Jacquard sont trois et c’est bien assez. Toujours impeccables dans leurs costumes de Tergal, ils forment la combinaison ultime d’une médecine ambulatoire pour les grand-e-s blessé-e-s des tubes de la variété internationale. Que vous les ayez aimés ou détestés (les tubes..), venez à l’une de leur consultation scénique, vous en ressortirez légèrement tourneboulés, un sourire au bord des lèvres.

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YN c’est une voix grave, une batterie percussive sur fond de samples et loops.

YN c’est un retour à l’essence même du mot RAP (rythm and poetry).

YN c’est de la poésie engagée, sombre et enragée.

YN c’est la rencontre de deux énergies voraces pour un son puissant, frénétique et viscéral.

YN c’est le symbole du YottaNewton, la plus haute unité dans l’échelle de mesure de la force.

YN c’est l’alliance de leurs initiales.

YN c’est l’urbain au service du viscéral. Et c’est aussi l’inverse.

YN c’est Yann, c’est N.Zaki.

C’est tout ça, YN. Et bien plus en live ! 

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Reconnu pour être l'un des meilleurs guitaristes en Irlande et au Royaume-Uni, Johnny Gallagher est d'abord et avant tout un artiste de scène où il peut exprimer tout son talent explosif. Ses concerts, aussi bien en solo ou avec son groupe The Boxtie Band sont un savant mélange de compositions originales et de versions personnelles des chansons de Pink Floyd, The Band, Lynyrd, Hendrix, Peter Green et Jimmie Rodgers.

Gallagher fait preuve d'un grand charisme et d'un grand enthousiasme communicatif sur scène avec une présence unique et indéfinissable. Comparé à ses compatriotes Rory Gallagher et Thin Lizzy, comme eux, il peut varier d'un rock agressif à des moments plus calmes et tendres, à la guitare électrique et acoustique.

Sa voix inimitable et expressive varie entre dynamisme et douceur, pouvant partir d'un cri pour finir en murmure. Sa musique a été décrite dans Time Out de Londres Magazine comme une "fusion magique de country, jazz, blues, roadhouse rock et rock n 'roll. »

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Né à la Réunion, Rawb a grandi dans un vivier culturel artistique et musical métissé, qui a ancré en lui une identité aux multiples facettes. Cette culture tropicale, combinée avec un goût prononcé pour les musiques jamaïcaines et le hip hop, des lyrics en anglais et français forment une recette étonnante de modernité, de fraicheur et de maturité.

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Autodidacte et pluridisciplinaire, Johan Papaconstantino produit une oeuvre globale en transposant ses sentiments à travers la musique et la peinture, puisant son inspiration dans les deux arts. Sa musique mélange des influences électroniques à ses racines grecques et aux sonorités orientales de son enfance.

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JOAO SELVA revient avec un deuxième album, véritable hymne à la créolité et au tropicalisme, porté par des sonorités funk, jazz ou encore disco. Un carnet de voyages exubérant où l’on retrouve la pétillante Flavia Coelho et le talentueux producteur multi instrumentiste Patchworks (Voilaaa, The Dynamics, David Walters, Mr President, Taggy Matcher). Embarquez pour une croisière musicale palpitante en compagnie d’un esprit brésilien nomade, naviguant à vue sur le mythique Atlantique Noir.

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Imaginé par le label clermontois Bat records, le Cabaret dub est un projet culturel interactif, adapté au contexte actuel sanitaire des salles de spectacles et de concerts. Une soirée de partage avec deux concerts inédits – Dub Shepherds feat Jahno et Nai-Jah – et deux interventions d’immersion et interactives sur l’histoire du dub et les techniques de création.

Avec : Felipe Araya, co-fondateur de Bat Records, Dub Master Clash, Fabasstone, bassiste de High Tone et derrière les machines au sein du collectif Dub Invaders ; et Anti Bypass, multi-instrumentiste membre du Dub Addict Sound System et électronicien aguerri.

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Matt Low nous présente son premier album. Ecrit et composé entre février et octobre 2018, il a été enregistré et mixé en 2019 par Peter Deimel ( DEUS, Anna Calvi, Miossec, Chokebore,...) au studio Blackbox, dans la campagne angevine.

On y retrouve son goût des ballades folk dépouillées , et on le voit aussi s'aventurer sur des terrains plus pop, où le tempo s'accélère. La douceur est toujours là mais il est désormais permis de se trémousser... La voix, grave, nous raconte une histoire d'amour, de mort, de renaissance, entre Auvergne et Arizona.

Après une première expérience en solo et français avec l’album “Eau” (Vicious Circle - 2015) qui a connu une jolie reconnaissance dans la presse, un nouveau chapitre s’ouvre aujourd’hui pour Alexandre Delano avec “Ven ven ven”, toujours en français dans les textes. Un disque intime, souvent chanté à deux voix, délicatement arrangé par les musiciens du Delano Orchestra. Dans ce recueil de chansons, les ambiances et les paysages s’ancrent et captivent, tandis que les ondes et rythmiques électroniques s’invitent au creux de cet univers traditionnel, champêtre et folk. On retrouve avec plaisir quelques éléments de la palette Delano (notamment les parties de cuivres et de cordes, toujours captivantes), mais en y découvrant de nouvelles couleurs, plus intimes et spontanées, qui confèrent à ces chansons une fraîcheur inédite.

«Des pulsions de compositions». Le désir de« s’envoler et de fuir très loin». Voilà ce qui a donné naissance à Domesticated. Six ans après la sortie de L’Aventura, après avoir signé quelques musiques de film pour le plaisir et écrit un disque pour Dita Von Teese, il était temps pour Sébastien Tellier de retrouver le huis-clos nécessaire à sa création personnelle. C’est dans le studio de Bernard Estardy, CBE, dans le 18e arrondissement parisien, qu’il a travaillé Domesticated, comme à la maison, sans se presser: «Quand on compose, on est naturellement à vif... et j’avais besoin de me sentir protégé.» 

En ces temps bousculés, on ne pouvait imaginer meilleur titre d’album. Pourtant, Lucie, Elisa et Juliette ont peur, comme tout le monde en cette période perturbée et incertaine.
 

Leur histoire on la connaît : un succès fou par leurs reprises des tubes de l’été, un premier album, En attendant l’album, et un deuxième disque de compositions originales, Poupées russes. 

Au saxo et au chant, Lucie. Aux percussions et au chant, Elisa. Au violoncelle et à la basse, Juliette. La plume et la partition, elles les tiennent à six mains. 

Aujourd’hui, elles reviennent avec Pas peur. L’accomplissement de cinq années dans le métier, de deux décennies à faire de la musique, et un quart de siècle à être amies.

Oh La La La.... Arno fête ses 70 ans ! Que de souvenirs, d’émotions et tant de moment mémorables vécus en sa compagnie. C’est un membre de notre famille que nous allons tous célébrer! C’est pourtant lui qui nous offre le plus beau des cadeaux... Un nouveau single “Oostende Bonsoir”, annonciateur d’un nouvel album prévu pour septembre et intitulé “Santeboutique”! 

Toujours plein de ressources et d’imagination, Arno est une source intarissable de textes et de mélodies inoubliables, dans un style absolument inimitable. Plus qu’une marque de fabrique, Arno est une personnalité, un accent, une voix, qui font à jamais partie de notre patrimoine. Attendez-vous donc à un concert fort et touchant qui n’oubliera évidemment pas ses plus grands succès : de "Putain Putain” à "Chic et Pas Cher” sans oublier "Les Filles Du Bord De Mer”, "Oh La La La”, "Les Yeux de Ma Mère” et "Mourir A Plusieurs”, pour ne citer qu’eux… 

Pierre-Emmanuel Barré donne son avis sur tout avec comme modeste objectif que vous repartiez moins con et qu'il reparte plus riche.

Déconseillé aux moins de 16 ans

Inventeurs bien malgré eux du mot grunge. Entre 1988 et l’explosion du phénomène Nirvana, Mudhoney est le groupe phare de la scène alternative. Leurs premières productions sur le label Sub Pop défrichent le terreau sur lequel se construira Nirvana et le mouvement musical dit 'grunge' singulier et sans concession. Le groupe ne déviera pas d'un iota sur sa ligne de conduite inspirée du punk et du hardcore des origines.

Poussez-vous de là, qu’il s’y mette. Sur son trône de fortune, Hatik s’approprie la scène rap comme il s’approprie l’espace public. Sans demander la permission, comme il veut, où il veut. Avec sa collection de « Chaises Pliantes », shots audiovisuels aux couleurs du temps, il n’en finit plus de faire exploser les compteurs.

Son univers, si puissant soit-il, se fait aussi appât pour mieux distiller ses pensées sous couvert d’instrus désirables et de punchlines impérieuses. La preuve en est avec ses désormais célèbres mixtapes Chaise Pliante I et Chaise Pliante II, sorties respectivement les 30 Aout 2019 et 06 Mars 2020 devenues de beaux succès d’estime auprès des médias et du public qui lui ont définitivement laissés une place parmi les plus grands : Hatik s’offre des featurings de marque tel qu’Hornet la Frappe, Médine ou encore l’étoile montante italienne Paky.

Les champion du Monde 2018 de Beat Box, non content d’avoir rempli deux fois le Bikini en quelques mois, et d’avoir joué devant 60 000 personnes lors des deux Stadium de BigFlo & Oli en Mai 2019, reviennent une troisième fois au Bikini en Décembre 2019 !

Issus d’univers et de parcours musicaux très différents, « Berywam » est un cocktail détonnant de saveurs musicales diverses. Voguant entre Hip-Hop, Raggae, musique classique ou électro, Berywam transcende les limites de la musique vocale.  

Tous les 4 très actifs et polyvalents sur le plan individuel (concerts solo, battles nationaux et internationaux...), les membres de Berywam nourrissent leur travail d'une inspiration sans borne et d'une ouverture musicale considérable.  

Les chansons de Gauvain Sers descendent dans la rue. Certaines se chantent le poing levé. D’autres se fredonnent le sourire aux lèvres. C’est avec ce répertoire façonné sur deux axes, où la poésie se mêle au social, que le Creusois nous embarque dans son deuxième album au titre évocateur, Les Oubliés.

Oh! Pardon tu dormais… c’est le titre d’un film de Jane Birkin puis une pièce et aujourd’hui c’est un concert que nous propose la chanteuse. Pour ce nouvel album c’est Etienne Daho qui prend la direction artistique : Cet album est le fruit d’une obsession qui m’a envahi après avoir vu « Oh! Pardon tu dormais », pièce écrite et jouée par Jane Birkin en 1999. Le texte puissant de Jane inspirait une oeuvre musicale et je lui proposais de tenter cette aventure. Nous nous sommes enfin retrouvés en studio, 20 ans plus tard, mais au bon moment. Comédienne et chanteuse d’une extrême sensibilité, Jane Birkin reste la plus troublante interprète de Serge Gainsbourg et berce depuis trente ans la chanson française avec sa voix singulière.

Guillermo Guiz revient sur son éducation, élevé par un père seul, féministe et misogyne, qui était « sûr de l'inexistence de Dieu, mais pas du temps de cuisson des œufs mollets ». L’humoriste belge évoque la thématique de la transmission, livrant un témoignage aussi drôle qu’émouvant sur son rapport à l’enfance.

A chaque naissance un baptême, et à chaque renaissance, son nouveau nom. Un prénom, dans ce cas précis, qu’Olivia Merilahti a choisi pour décliner l’identité et la nature de cette première aventure musicale en solitaire. Un album de pop multidimensionnelle, qui répond au nom et aux échos d’une alter-ego venue d’ailleurs: Prudence.

Après s’être illustrée pendant plus de dix ans au sein du duo The Dø, c’est à l’issue de leur dernière tournée que le chemin solo d’Olivia s’est dessiné. Une autre direction qui a pris le temps de l’évidence, authentique et irrésistible, pour naître aujourd’hui sous les traits d’un double justicier. Cette Prudence, dont la liberté permet au songwriting d’Olivia d’introduire une autre sphère. Celle où les carcans se fêlent enfin pour laisser passer sa propre lumière.

Toujours portée par un amour dédié à la pop sous toutes ses formes et une volonté de retranscrire l’air du temps, ce premier album puise ses racines dans différents décors.

Autant inspirée par les pionnières des machines synthétiques, Suzanne Ciani en tête, que par Kraftwerk, Sia, ou Drake, en passant par les bandes originales de Hans Zimmer, notamment celle du film Interstellar, Prudence évolue dans la ville comme au ciel, urbaine et céleste. Et fait de ce premier voyage son territoire. Au détour de provocations salvatrices (« Never with U »), on peut y croiser des éclairs de comédie sensuelle (« Playmate »), des déclarations d’amour universel (« Good Friends »), une pépite scandée sur des murs de graphite (« City on fire »), avant de redécoller à bord d’une ballade en forme de drapeaux blanc (« Be Water »).

Aidée par un équipage composite de collaborateurs (Xavier de Justice, Surkin,…), Prudence se sert de la distance entre elle et sa créatrice pour faire passer ses messages. Plus rien n’est impossible, il suffit d’en avoir la conviction et le courage. C’est précisément l’une des missions de cette héroïne. Femme, soeur, mère, justicière, quatrième étoile des Cat’s Eyes, néo-Rachael de Blade Runner, le « Ghost in the Shell » dans le miroir qui éclot une fois la nuit tombée, et offre son pouvoir aux yeux du monde. Celui de mettre en musique la science-fiction au service de la réalité. Et s’élever. 

Gaëtan Roussel, voix légendaire de la scène française contemporaine, poursuit en parallèle de son groupe Louise Attaque un parcours solo aussi unique que fascinant.
Il revient le 20 novembre avec ON NE MEURT PAS (EN UNE SEULE FOIS), un titre fort et jubilatoire, un riff incroyablement entraînant, un refrain déchaîné, un hymne porté par une interprétation explosive de l’auteur-compositeur-interprète aveyronnais. On ne meurt pas en une seule fois. Ou, dit, de manière autre, la vie se poursuit malgré les orages, les secousses ou encore les ruptures et les choses qui prennent fin. C’est avec ce dernier axe que Thomas Lepage a décidé d’illustrer la chanson de Gaëtan Roussel, tout en mettant à l’honneur la continuité. Il a choisi pour cela le domaine du sport et est allé, caméra à l’épaule, filmer la nouvelle vie de grands sportifs français ayant « raccroché les gants » mais qui continuent leur vie. Ainsi, il y a plusieurs vies en une. On découvre Martin Fourcade, Bixente Lizarazu, Marie-Jo Perec, Bernard Hinault, Alain Prost, Jean-Pierre Rives et Christine Aron, qui se sont merveilleusement bien prêtés au jeu en nous dévoilant leurs nouveaux métiers de consultants, agriculteurs, sculpteurs…

L’afrobeat semble avoir décidément trouvé refuge chez la nouvelle génération du jazz londonien : menant leur pirogue à travers cette foisonnante jungle urbaine, le groupe Nubiyan Twist vient ajouter une pierre à l’édifice avec un deuxième album, justement appelé Jungle Run. Créée à l’université de Leeds (véritable vivier de talents musicaux, particulièrement ces dernières années), cette formation de dix musiciens s’est naturellement retrouvée à Londres, où elle s’est frottée aux autres piliers de la scène jazz actuelle (entre Moses Boyd, Shabaka Hutchings et autres Ezra Collective). C’est chez Strut Records que cet assemblage d’afro-jazz, de hip-hop et de textures électroniques paraît : on retrouvera sur le disque deux idoles (Tony Allen et Mulatu Astatke himself), mais aussi des voix moins connues, dont celle de Nick Richards, qui vient adoucir le groove brûlant de « Tell It To Me Slowly ».

« Facile x fragile » signe le grand retour de Camélia Jordana, un double album fascinant et éclectique, deux faces de cette artiste surdouée, un grand écart entre des tubes pop et des titres intemporels, enregistrés avec passion l’été dernier en Provence.

Le jeune producteur à l’ascension fulgurante s’est taillé une place de choix sur la scène électro française et internationale avec une forte identité sonore, mêlant tout en élégance post-dubstep britannique et nuances orientales. Un subtil alliage de textures qui prend tout son sens sur scène, quand l’électronique rejoint l’organique. 

Après plus d’un an de pause, Sinsemilia a fait son retour en 2019 avec son nouvel album « A l’Echelle d’une vie » (sortie 26 avril 2019), une nouvelle tournée, un son qui ne cesse d’évoluer ! En 2020, la tournée se prolonge et le groupe aux 10 disques d’or continue son chemin avec ce même goût pour les concerts spectaculaires qui fait sa force depuis plus de 25 ans. Au-delà des modes et des générations, le groupe poursuit donc une aventure dont le reggae les textes humanistes et la sincérité restent les étendards ! Sinsémilia vous donne rendez-vous le 16 mai 2020 à la Coopérative de Mai !

L’album de Marquis, Aurora, a commencé d’être enregistré à l’hiver 2017 et devait devenir le troisième album de Marquis de Sade. Quinze musiques originales ont été initialement gravées sur le disque dur du studio NDE à Lanmeur. Philippe Pascal avait chanté deux de ces nouvelles chansons entre décembre 2018 et janvier 2019, mais elles ne sont pas sur cet album de Marquis et sortiront fin 2021 dans un coffret qui résumera l’intégralité de la carrière de Marquis de Sade.

Les 13 autres titres constituent la base du projet Marquis. Marquis tout simplement car il a semblé au reste du groupe qu’il était impossible de continuer l’aventure sans Philippe sous le nom de Marquis de Sade. Marquis parce que ces chansons ont été composées et jouées par les mêmes personnes, Éric, Thierry et Frank, qui ont composé et joué Dantzig Twist et Rue de Siam.

Ce projet est un hommage, mais aussi une renaissance grâce à la rencontre avec Simon Mahieu, un chanteur belge de 30 ans, imprégné de culture post punk. Une rencontre qui s’est faite à Bruxelles, alors que Frank et Thierry enregistraient des claviers avec Ad Cominotto (Arno, Adamo) à l’hiver 2019, à un moment où le projet n’avait plus d’axe directeur puisqu’il était question d’inviter un chanteur par titre.

Mais, Simon, après quelques essais échangés par internet, a totalement conquis les trois Rennais. Et l’album, où l’on entend par ailleurs avec grand plaisir Ivan Julian (Richard Hell & The Voidoids), Richard Lloyd (Television) à la guitare, James Chance ou encore Daniel Paboeuf aux saxs, a pu été achevé en septembre 2020. On y découvre également quelques chanteurs invités, chacun sur un titre, tels Etienne Daho, Dirk Polak (Mecano) et Christian Dargelos (Les Nus) ou encore le regretté Dominic Sonic qui interprète en duo avec Simon une reprise d’Ocean du Velvet. On croise également Marina Tcheski, pour un duo sur Brand New World.

L’album, mixé par Dan Lacksman et Sebastien Lorho, et masterisé par Chab, sort en février 2021 en distribution Caroline/ Universal.

L’idée d’amener Aurora sur scène a très tôt titillé les quatre membres de Marquis. Aussi, pour se rapprocher autant que faire se peut de l’ambiance de l’album, le quatuor s’est adjoint en vue des concerts les services d’un deuxième guitariste, Kobe Dupont, Belge lui aussi et membre du groupe flamand Gepetto and the Whales. Paul Dechaume, qui tenait les claviers lors de la reformation de Marquis de Sade est aussi de l’aventure, et Daniel Paboeuf, membre historique de Marquis de Sade, sera la plupart du temps à leurs côtés.

Marquis, groupe européen et trans générationnel s’il en est, est en répétition pour la scène à partir novembre 2020, et participera aux Transmusicales de la même année.

Après plus de 15 années passées sur les plateaux de télévision à interpréter des personnages plus fous les uns que les autres – dont Sébastien Patoche, pour ne citer que lui – Cartman monte enfin sur scène dans « one », son premier one man show.

C’est le jour de ses 40 ans qu’il a décidé de sauter le pas, et ce n’est pas un hasard. Cet âge un peu bizarre où on a encore une PlayStation, mais qu’on a aussi rendez-vous chez le proctologue, où quand on fait la fête, on arrête de boire à 23 heures pour ne pas avoir la gueule de bois, où on sait poster une photo sur Facebook, mais pas sur Snapchat .

Sa mission : vous prouver en un peu plus d’une heure qu’on peut être petit, chauve et heureux
!

MAGENTA est un projet de musique électronique en français. On l’a commencé en 2015 parce qu’on avait envie de créer une musique « ​qui danse et qui pense​ » ensemble. L’impulsion première ça a été la redécouverte d’un pan de la musique électronique de notre adolescence - en premier lieu la « French Touch » des années 1990 et 2000. Après avoir recommencé à écouter cette musique on a vite développé une curiosité pour les méthodes de production de l’époque. On a acheté des boîtes à rythmes et des samplers puis on s’est mis en tête d’essayer de recréer cette musique à notre manière. À la base on est quatre amis de longue date et on avait déjà fait plein de choses ensemble. Mais l’envie du moment c’était vraiment de faire des boucles et de se laisser hypnotiser. Faire une musique « corporelle » plus que cérébrale en gros. Le texte est revenu plus tard quand on a eu à nouveau besoin de mettre du sens dans les morceaux. En français du coup. Les premiers morceaux de MAGENTA sont finalement nés dans la chambre de l’un de nous qu’on a aménagée en ​home studio ​- ​ boulevard de Magenta à Paris. Le nom du projet s’est finalement imposé de lui-même comme un hommage à cette période de gestation… Et un clin d’oeil aux quartiers que le boulevard traverse dans lesquels on zonait pas mal à l’époque. 

Dub Inc est devenu sans conteste, le groupe le plus emblématique du reggae made in France. C'est avant tout par la scène que ses musiciens et chanteurs se sont imposés depuis dix ans comme fer de lance de la scène française, en apportant un vent de fraicheur incontesté.

A l’aube d’une nouvelle ère, Hilight Tribe brise les frontières avec son Live Natural Trance 100% explosif qui déchaine les dancefloors de France et d’ailleurs.
Depuis plus de 20 ans, la « Tribe » répand le message de la Natural Trance ou « Techno Accoustique » à travers un mode de vie proche de la Terre et conscient des technologies actuelles. Avec 8 albums et près de 1000 concerts à leur actif, les Hilight Tribe innovent dans un son électro-instrumental où fusionnent Guitare, Basse, Batterie, Voix Congas, Djembé, Didgeridoo et autres percussions ou instruments a cordes originaires des quatre coins du monde.   Sur scène, la Tribe déploie une énergie survoltée afin de créer une osmose entre musiciens et public, rythme et danse, sons futuristes et cadences tribales, le tout dynamisé par un puissant « kick-bass ». Chaque instrument est joué en temps réel et relié à des capteurs ou effets, créant ainsi une alchimie entre sonorités modernes et ancestrales. Précurseurs d’un style devenu un courant musical, les Hilight Tribe vous invitent à un voyage au delà du temps et de l’espace ou l’esprit du Roots vient guider le monde moderne vers le chemin de la Trance…

Après des albums platine et or, et le succès planétaire du remix de Prayer in C, Lilly Wood and the Prick revient avec son album pop et oxygénant porté par la voix soul et écorchée de Nili qui balaye la morosité de l'année 2020. 

Ca donne quoi, un rap vraiment mûr, où la mélancolie nappe une trap sèche et parfois club ? Celui que fait Bosh. Le MC de 28 ans se démarque par son originalité : faire du rap street mais chargé de sentiments.

Son premier album Dos argenté sort en 2018 et oscille entre trap énervée et morceaux festifs mâtinés d'afro où il se livre crûment et prouve qu'on peut émouvoir tout en faisant du « sale ». Il est suivi de Synkinisi , sorti en mai, un recueil de morceaux nerveux, courts et techniques.  

Il est également au casting de la série Validé, réalisée par Franck Gastambide (Pattaya, Taxi 5...), où il tient le rôle d’un personnage qui s'appelle Carnage, comme l'un des titres qu'il a sorti en 2018.  

On dit que l'appétit vient en mangeant, et vu la qualité du projet, Bosh n'est pas près d'être rassasié.  

Si ce spectacle était un plat ça serait une sorte de hachis Parmentier avec des vrais morceaux de Constance à l’intérieur.
Dans ce « Pot-pourri » tu trouveras des anciens comme des nouveaux sketchs fourrés avec soin à la violence verbale poétique et libératrice. Chaque personnage te rappellera combien la comédie humaine est absurde et je te propose d’en rire plutôt que de te pendre. 

Mercy est le premier album de Natalie Bergman, un album solo auto-produit en ces temps étranges et pendant une période personnelle de tristesse profonde et de réinvention. Surprenant, parfois beau, cet album est une ruée vers le bord de la falaise, Avec un indéfectible regard vers le bas.

Cet album pousse à la rédemption par le pouvoir, il est resplendissant et original, et surtout profondément cathartique. 

Yelle revient avec "Je t'aime encore", une lettre à son pays adoré, la France. Une déclaration d'amour avec un point d'interrogation, sur des accords qui nous bercent et un beat qui nous rappelle à quel point Yelle ne peut s'empêcher de nous faire danser. Danser et pleurer en même temps. Pleurer d'émotions, puis les explorer de multiple façons, dans son album à paraître début Septembre 2020 !

Activiste du reggae et de la musique indépendante depuis 2001, DANAKIL sillonne les
routes du monde entier, délivrant des centaines de lives brûlants qui font une grande partie du succès du groupe. Nouvel album en préparation pour l'automne 2020 !

Véritable sensation reggae du moment, Jahneration est un duo de jeunes chanteurs/producers aux influences entre la nouvelle scène jamaïcaine, le Hip-Hop US et les plages de Californie.

Après un premier album et une tournée de plus de 200 concerts depuis 2015, le groupe parisien continue son tour de France.

Après avoir passé plus d’un an terrés dans leur studio parisien, Caravan Palace refont aujourd’hui surface avec un nouveau single, "Miracle". Un morceau électro au groove contagieux, qui marque une nouvelle évolution dans le style du groupe et représente un avant-goût de leur nouvel album, à paraître prochainement
. La virtuosité musicale du groupe, alliée à son énergie et à sa joie de vivre, est évidente lors de ses impressionnantes tournées qui s’étirent sur plusieurs années et les ont vus jouer à Coachella, Glastonburry, Les Vieilles Charrues, Rock en Seine, Bestival, Boomtown, Paleo Festival, etc... 

Caravan Palace ne se contente pas d’impressionner la scène live, il s’agit de l’un les plus viraux du monde numérique, avec des statistiques en hausse rapide. 1 million d'abonnés à leur chaine YouTube, 1 million d'auditeurs mensuels sur Spotify, 250 millions de streams Spotify, 170 millions de vues du clip Lone Digger sur YouTube ou encore 1,6 million de vidéos uploadées par les jeunes utilisateurs de TIKTOK (l’application la plus téléchargée au monde en 2018). 

Après deux disques d’or et deux nominations aux Victoires de la musique, Feu! Chatterton est de retour avec son nouvel album : Palais d’argile, grandiose fresque cyberpunk pour les temps confinés, pamphlet adressé à la start-up nation obsédée par le progrès et ode lumineuse à la Nature et à la transcendance.

Après nous avoir enchanté avec ses deux EP « Rythmes & Botanique » et « Des fleurs », Gaël Faye revient avec un nouvel album dont la sortie est prévue cet automne.
On y retrouvera sa plume subtile et touchante, et des morceaux inédits prêts à nous faire chalouper durant les saisons à venir.  L’auteur de « Petit pays » sera de retour sur scène pour présenter ce nouvel opus, accompagné de Guillaume Poncelet au piano, Louxor aux machines et Samuel Kamanzi à la guitare et au chant.

Igorrr a cette précieuse et rare faculté à démontrer à travers sa musique que les genres n’existent pas, sans
produire un simple et vulgaire pot-pourri. Il n’a aucun scrupule à sampler ou enregistrer les plus extrêmes formes de metal, en les acoquinant à la décadence de la musique baroque au sein de rythmiques jazz, techno, country, détruites au beat repeater. Experience unique en live, il a été invité sur bon nombre de festivals et le nouvel album est prévu pour 2020.

Disque d’Or dès son premier album en 2013, et véritable stakhanoviste de la route avec plus de 300 concerts réalisés depuis, ROVER est de retour en 2021 avec un attendu nouveau disque “Eiskeller”, son 3ème, écrit au 4ème sous-sol d’une ancienne glacière du 19ème siècle, en solitaire. Lumineux, réconfortant, émouvant, peut-être le plus bel album de Rover. 

L’année 2020 des Têtes Raides sera intense avec la réédition de la discographie complète, un album best-of accompagnant la célébration des « 30 ans de Ginette » sur les routes estivales, ainsi qu’un Olympia prévu le 7 novembre. Un concert qui sera précédé par… un nouvel album. Qui dit mieux ? Personne. 

Après 25 ans de carrière, GYBE revient avec un nouvel album. G_d’s Pee AT STATE END! prend sa place dans la discographie intemporelle et tenace du groupe.

Depuis quelques années, Lonepsi ballade son flegme de jeune loup entre la chanson et le rap. Il fait partie de cette génération qui ne voit pas pourquoi elle devrait choisir entre les styles, entre les influences électro et la musique classique, entre la pop et la plume des lyricistes.
Au lycée, déjà épris des mots et du sens du langage, il se prend de passion pour le rap. Il développe sa culture en écoutant des collectifs comme L'Entourage, la Scred Connexion, ou encore Lunatic et exerce son flow au cours de premiers freestyles. Il trouve dans les livres une bonne part de son inspiration lui permettant d’affiner son art. Dans le même temps c'est en autodidacte que Lonepsi fait son apprentissage sur un piano, développant ainsi sa personnalité musicale. Dans le rap français, Lonepsi est l’un des rares à composer lui-même. Entre piano et programmation sur Live Ableton, il taille sur mesure des instrumentaux pour révéler ses rêveries de promeneur solitaire.  

Avec son nouvel EP, Toutes les nuits du monde, Lonepsi délivre une voix à part, dotée d'une plume prête à poétiser le rap français.

Depuis 2002, Rebeka Warrior (Sexy Sushi & KOMPROMAT), poète de nuit, productrice de
jour, passée par les beaux-arts, et Carla Pallone (VACΛRME), compositrice, violoniste baroque devenue multi-instrumentiste, forment Mansfield.TYA. Si on connaissait jusqu'à présent le monde sensible de Mansfield.TYA : sens de la mélodie, mélancolie et minimalisme, aujourd'hui, le groupe revient avec une ode poétique New Wave. Avec M onument Ordinaire , à paraître en février 2021, Rebeka et Carla réalisent leur cinquième album. L'exigence du duo est telle qu’il leur faut à chaque album réinventer leur relation, attendre que les planètes s'alignent à nouveau. Les planètes ont enfin permis 13 titres, comme une superstition. 45 minutes de vie et de mort, de poésie taillée à même la roche, imaginées comme des paroles de Maitre Dogen (philosophe et poète Japonais) sur des mélodies simples et catchy de Jacno. Un album de mélancolie heureuse, une échappée pour célébrer l'amour furieux de la vie, comme autant de cris du coeur.

Faisant suite à l'album Portrait de 2019, Kerber est un nouveau chapitre dans l’oeuvre de l'artiste breton, qui commence par sa production la plus ouvertement électronique à ce jour.

Fidèle à l'approche nuancée et subtile de Tiersen, il ne s'agit pas d'un album de ‘dance music’ et d’un virage à 180 degrés, mais plutôt d'un monde électronique magnifiquement texturé, hautement immersif et soigneusement construit dans lequel on peut pénétrer. 

Charismatique et pleine d’énergie, la saxophoniste Lakecia Benjamin, a partagé la scène avec des artistes très remarqués tels que Stevie Wonder, Alicia Keys, the Roots, entre autres.Son jeu enflammé électrise la scène et les foules.

Cette jeune musicienne native de New-York devrait atteindre les sommets avec ce nouvel album entièrement dédié à la musique des 2 Coltrane, John et Alice.

Pour réaliser son projet, la saxophoniste n’a pas lésiné sur les moyens s’entourant d’un vrai all-stars transgénérationnel dont certains musiciens ont d’ailleurs joué avec John et Alice (Reggie Workman, Ron carter, Gary Bartz). Le résultat est superlatif et bien au delà de ce simple name dropping. Une vraie révélation explosive sur la scène du jazz.

Car Lakecia Benjamin insuffle à la musique de ses maîtres son propre souffle, sa propre inspiration ( elle vient de la soul) et surtout une énergie de dingue. Trois ingrédients qui suffisent à en faire une grande saxophoniste et surtout une vraie bandleader. La saxophoniste s’empare ainsi du répertoire, n’hésite pas à ajouter des textes, ce que la famille de Coltrane refuse généralement catégoriquement. Liberté d’artiste et risque totalement assumé.

Les fils de John Coltrane ne manquent pas dans le jazz. Les filles moins. L’univers de Lakecia Benjamin est le sien, le sien propre et ses révérences sont l’image d’elle-même.

Avec un héritage étendu sur trois décennies, Belle and Sebastian ont réellement gagné leur place dans l’histoire de la musique. Ce groupe unique, imprévisible et farouchement aimé sous-entend nombreux éloges, récompenses et applaudissements, comme gagner le BRIT Award « Révélation » en 1999, remplir complètement le Hollywood Bowl et contribuer à la bande-son de nombreux films (Juno, The Power of Nightmares…).

En 2018, ils sortent un trio d’EPs intitulés « How To Solve Our Human Problems, Parts 1-3», qui voit le groupe revenir à un format plus ancien permettant à sa musique d’émerger de manière naturelle lors des sessions EP.

Days of the bagnold summers sort en septembre 2019. Le projet Days of the Bagnold Summer (L’été des Bagnold) voit le jour en tant que roman graphique en 2012 sous la plume de Joff Winterhart. Il prendra bientôt la forme d’un film, avec l’adaptation cinématographique de Simon Bird (The Inbetweeners, Friday Night Dinners), et qui de mieux que Belle and Sebastian pour le mettre en musique ? Cette BO comprend onze titres originaux de Belle and Sebastian.

Belle & Sebastian reviennent en décembre 2020 avec un album live tout frais. Enregistré lors de leur tournée de 2019, ‘What To Look For In Summer’ capture le souvenir de jours plus simples, où assister à un concert était de l’ordre du familier.Ni une retrospective ni une compilation best of, l’album évoque la musique du groupe dans son ensemble, donnant autant d’importance à leurs premiers titres qu’à des compositions plus récentes.

Polo & Pan signent actuellement leur retour discographique avec un nouvel EP Feel Good qui vient de sortir et qui fait suite à leur premier album Caravelle unanimement salué, certifié disque d'Or en France et disque de Platine à l’international
.

Dans n’importe quelle discussion au sujet des auteurs-compositeurs et des paroliers de la musique indépendante du 21e siècle, Alec Ounsworth et son groupe, Clap Your Hands Say Yeah, figurent en bonne place. Peu d'entre eux se sont montrés aussi brillants, éclectiques et intimes. Ils sont encore moins nombreux à rester indépendants, refusant de signer des contrats qui compromettent leur vision artistique. C'est ce qui caractérise l'œuvre d'Ounsworth, en particulier le projet de vie qu'il a lancé au début des années 2000, Clap Your Hands Say Yeah. Et à chaque sortie depuis le premier album éponyme, il a affiné et élargi son son, s'adonnant à un ensemble d'influences toujours plus large.

Prolifique et énigmatique comme jamais, ses œuvres récentes marient l'esprit excentrique et décalé des premières années avec une confiance bien méritée et un sens plus grand de l'échelle et de l'ambition. Toujours à la recherche de nouveaux arrangements de chansons et d'une connexion organique avec son public, Ounsworth reste, après presque deux décennies, l'une des voix les plus distinctives de la musique.

Souvent comparé à Stevie Wonder, Al Jarreau ou Seal, Raul Midón s'est créé son propre univers, en proposant un melting-pot unique de soul, jazz, folk, blues, R&B et de musiques latines. Compositeur et interprète, il possède ce talent rare de transformer son unique instrument en un orchestre et sa voix en une incroyable chorale ! Admiré pour ses prouesses vocales, il a collaboré avec des musiciens venus d'horizons très divers, de Herbie Hancock à Snoop Dogg ou Marcus Miller, tout en menant une carrière solo internationale. Aveugle de naissance, Raul Midón s'est battu pour faire ce qu'il aimait le plus : la scène. Un espace où il se livre entièrement, heureux de pouvoir vivre de sa passion.

Although heavy metal and progressive rock has always been his primary focus, each year that passes recently has resulted in new peripheral works that have seen him branch off to everything from country, new age, ambient noise or even orchestral musical theatre. As endearing as that has been to his constantly growing fanbase, it has also made it difficult to classify with much accuracy what he does and what he represents. Who is Devin Townsend? What is his musical identity? With his new album, ‘EMPATH’, we find that Devin Townsend is actually all of these things.

Le légendaire groupe Steel Pulse, fer de lance du reggae UK , vénéré par les jeunes générations d'artistes et plusieurs génération de fans, reste une entité exceptionnelle de toutes les scènes autour du monde. Témoins de l’accélération de la négativité de la globalisation, Steel Pulse Pulse revient en force avec le nouvel et tant attendu album "Mass Manipulation" qui démontre les possibilités infinies de briser le mur de la cupidité systématique et reflète les quatre décennies de messages de Steel Pulse pour l’amélioration de l'humanité par la musique et la solidarité.

Joe Satriani guitariste virtuose connu dans le monde entier, annonce les premières dates de sa tournée 2020. Le Shapeshifting Tour débutera le 5 avril 2020 à Mayence, en Allemagne, avant de passer par d’autres villes du pays, puis en Suisse, aux Pays-Bas, au Danemark, en Suède, en Norvège, en Pologne, en République Tchèque, en Autriche, en Hongrie, en Italie, au Royaume-Uni et en France pour s’achever mi-juin. D’autres dates seront annoncées seront annoncées bientôt, et les dates de la tournée nord-américaine arriveront à l’automne 2020.

L’art du grand détournement. De l’humour, de l’énergie, du rock n’roll.

Répliques de film, publicités, discours politiques, buzz du web, tubes interplanétaires, ce que l’industrie culturelle a produit de marquant depuis ces 70 dernières années s’y retrouve mélangé, encastré, compressé et resservi avec humour, anachronisme et poésie. Bowie y donne la réplique à Sylvester Stallone, Macron y croise Jean-Claude Duss, “Star wars” flirte avec « Norman fait des vidéos » ou “ La Reine des Neiges ”. Le tout ponctué par les riffs percutants d’AC/DC, la pop sucrée de Taylor Swift ou le flow irremplaçable de RUN DMC... the best of pop culture !

Le patron des Stooges domine cette année anniversaire de la tête et des épaules.

Avec Free, dernier album apaisé et inspiré par le jazz, la poésie, Lou Reed, Dylan Thomas et sa propre vie, l’Iguane nous fait l’honneur d’un concert exceptionnel, crooner magnifique et héros incontesté de la grande histoire du rock.

Butler, le musicien indépendant le plus récompensés d'Australie, a publié son septième album studio HOME en 2018, qui explore un nouveau territoire sonore, élargit l'instrumentation et expérimente de nouveaux genres tout en conservant l'essentiel de son son qui lui est propre. Après de nombreux concerts à guichets fermés en Europe et de gigantesques scènes lors de festivals tels que Solidays et Eurockéenees, entre autres, Butler sera de retour en 2020 dans un cadre plus intime, interprétant des versions intenses et franches des chansons de son dernier disque ainsi que les morceaux favoris des fans.

Après le triomphe de leur tournée 3-D, les pionniers de la musique électronique Kraftwerk annoncent deux dates exceptionnelles en France. En mélangeant son et performance artistique, les concerts 3-D de Kraftwerk sont une "Gesamtkunstwerk - une oeuvre d’art totale." 

Live fulgurant dans la tradition afrobeat de Fela Kuti : rythme, groove, énergie pulsative irradient quand ce big band de Brooklyn entre en scène!
Avec une solide section de cuivres, un gang de percussionnistes experts, une rythmique funky et des textes chantés en anglais, espagnol et yoruba, Antibalas possède une puissance de feu prête à donner un nouveau souffle torride à l'afrobeat. Dans la plus pure tradition de Fela Kuti. Fer de lance du mythique label Daptone Records (Sharon Jones, Charles Bradley, ...), imprégné d'influences musicales diverses, avec autant d'apports latino et ouest-africains, que purement américains, Antibalas est décapant de sons électriques et traditionnels. En somme, un groove dansant et hypnotique. Vingt ans et des milliers de concerts après leur naissance dans un hangar funky de Brooklyn, le combo dont le nom signifie « pare-balles » en espagnol, demeure fidèle à sa formule à haute teneur énergétique, où les mots portés par le charismatique chanteur Duke Amayo ciblent les maux qui minent nos sociétés. 

Cat Power (Chan Marshall), a produit entièrement son dernier album Wanderer. Cet album inclus des apparitions d’amis et d’anciens compatriotes, ainsi que de nouvelle rencontre comme Lana Del Rey. Écrit et enregistré à Miami et à Los Angeles au cours des dernières années, le nouvel album Wanderer est un retour remarquable d'une voix américaine emblématique.