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Il y a quelque chose de passionnant à observer les différentes ondulations musicales que Myd a suivies avec le temps. On l’a vu faire le mariole, incognito, sur une croisière all-inclusive, danser sans s’arrêter dans des rues résidentielles de L.A., ou se dandiner lors de ses livestreams CoMyd 19 (“best dance show” selon Billboard devant Calvin Harris et Diplo) parfois seul et suave, parfois goguenard et entouré d’invités. C’est un garçon qui sait faire rire de bien des façons, sans jamais trop se forcer, et qui par ailleurs sait aussi faire de la musique à peu près dans toutes situations. Born A Loser sort le 30 avril sur Ed Banger/Because Music et c’est son premier album après plus de dix ans de carrière et plusieurs EP notamment All Inclusive en 2017. Une carrière qui a démarré avec ses amis de Club cheval, alors qu’il terminait la Femis, à la toute fin des années 2000 : ce prodigieux quatuor de DJ/producteurs venus du Nord de la France, qu’il formait avec Sam Tiba, Panteros 666 et Canblaster, et dont il reste encore très proche, a donné un nouvel élan à la longue histoire de l'électro française. Il est ensuite passé par le label Bromance de Brodinski, a produit des hits pour les rappeurs SCH, Alonzo ou Theophilus London sur « Can’t stop » (feat. Kanye West), a remixé Dua Lipa et Major Lazer, et a été nommé aux Césars 2018 pour la bande originale de Petit Paysan. Aujourd’hui membre de l’écurie Ed Banger, il travaille autant avec le youtuber Squeezie qu’avec l’icône indie Mac DeMarco, et développe son image si singulière aux côtés de la photographe et réalisatrice Alice Moitié. Ce qu’on entend sur ce disque est logiquement la synthèse d’une décennie d’aventures personnelles et sonores : un périple entre la house, la pop et l’atelier bricolage, baigné dans une atmosphère d’été sans fin, à la fois hédoniste et mélancolique.

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Regardez LITTLE BOB sur cette nouvelle pochette : vous comprenez que la légende vivante du rock en France, après 45 ans de carrière, 23 disques au compteur, et des milliers de concerts, n’est pas du genre à retourner en studio juste pour enregistrer un nouveau disque… Non, il le fait parce qu’il en a besoin, qu’il est dans une urgence artistique, à écrire et composer des morceaux qui mettent en musique et en mots ce qu’il a sur le coeur ! Et Bob en a gros sur le coeur, depuis la disparition de « sa » Mimie, sa femme, sa muse, sa partenaire, son âme soeur. Il lui a juré de continuer, alors il serre les poings et revient avec sa seule raison de vivre : le rock’n roll ! Ce nouveau disque est un cri d’espoir, celui d’un homme qui a perdu l’amour de sa vie, mais hurle son amour de la vie. Ses chansons sont des portes ouvertes sur la révolte, l’amour, la lutte, l’amitié…Elles nous réveillent et nous secouent en pleine crise sanitaire, tous enfermés derrière nos masques, et nous redonnent envie d’avenir. Son instrument c’est sa voix, et Bob chante le blues de l’homme seul, et le rock’n roll sauvage du rebelle. Il est comme le partisan, dans sa reprise bluesy de « Bellaciao », celui qui se battra toujours pour la liberté ! Avec son gang de BLUES BASTARDS électriques, il nous tire vers le haut, là où on respire mieux… WE NEED HOPE ! Oui, Little Bob on a tous besoin d’espoir, et de disques comme celui-ci !

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La chanson Silly Boy Blue a été enregistrée en mai 68 par un jeune chanteur inconnu : David Bowie. Ana Benabdelkarim partage avec lui ce goût du risque, cette prise de liberté avec les conventions. Cette mélancolie joyeuse résonne encore très fort dans les rêves de la jeune chanteuse, compositrice, multi-instrumentiste et productrice déjà repérée au sein des Nantais Pégase. En solo, Silly Boy Blue offrait clés en mains dès son premier EP, le plantureux But You Will, un univers personnel et affirmé. Emmêlant sensuellement, langoureusement instruments acoustiques et diableries électroniques, elle se montre plus à l'aise dans un humble maximalisme que dans un minimalisme qui ne saurait contenir ses désirs de fugues, d'outre-pop. Ce qui frappe dans ses chansons : leur méticulosité, leur musicalité, et la mélancolie en special guest. Mêlant voix envoûtante et rythmiques aériennes, le single « Hi it’s me again », prémices d’un nouveau projet à paraitre, est une invitation à plonger dans son univers pop teinté de romantisme noir.

Affirmative et combattante, la voix de KALIKA fait l'effet d'un coup de poing dans un gant de velours. Bam ! Le titre La Chaudasse est à l'image des trois autres morceaux de son premier EP : ça déménage sec mais toujours avec dextérité. Les paroles crues racontent les histoires d'amour et de sexe tumultueuses d'une jeune féministe de 23 ans. « Est-ce que tu dors ? Je me sens très seule » lâche-t-elle à un ex-compagnon trompé sur Tu fais la gueule. « Ne mets plus tes doigts dans mes fesses, ne m'appelle plus ta tigresse/L'été est mort il est parti, le ciel est gris c'est déjà fini. » roucoule-t-elle sur L'Été est mort, enjoignant au dénommé Hector « d'arrêter de s'accrocher ». Seul écart : le morceau Avec les gars, manifeste sur lequel KALIKA parle de mendicité dans le métro et de mépris à tous les étages : « On n'a pas de visa, pas de visage, on ne vaut plus rien /T'étonnes pas si on a la rage. » Fracassantes, les mélodies electro-pop invitent moins au spleen qu'au lâcher-prise cathartique, voire à une jouissive hystérie collective sur un dancefloor détrempé. « C'est un cri » résume-t-elle très bien. Comme une gifle suivie d'une caresse, ajouterait-on. Bourrée d'angoisses, elle écrit pour aller mieux, lorsque l'urgence du hurlement la prend, l'agrippe, lorsqu'elle ne peut s'en défaire qu'en l'emprisonnant dans un morceau. De nuit puisque c'est là que le silence se fait enfin. Alors KALIKA la couche-tard compose dans le petit studio qu'elle s'est aménagée dans son appartement parisien. Celui-là même qu'elle partage désormais avec Balthazar, son guitariste qui lui donne un solide coup de main sur la mise en œuvre de son projet.

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20 chansons de ZUT revisitées et partagées avec 20 artistes d’horizons différents (Tryo, Pierre Perret , Clarika, Mister Mat, Yves Jamait , Aldebert, Christelle Chollet..)

Cet album est sorti 20 ans après la sortie de leur 1er album !

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Blond Neil Young (BNY) est un spectacle musical consacré au chanteur canadien Neil Young. Tout le monde connaît sa musique mais peu de gens connaissent l’homme. Stephane Louvain (The Little Rabbits, French Cowboy, Le Ballon Rouge …) entouré de six musiciens de grande classe, raconte, à base d’anecdotes, ses passions, ses rencontres, ses engagements, ses enregistrements, sa vie à travers ses morceaux emblématiques. Parfois gravement mais toujours avec humour, ce spectacle musical réjouira un public de sept à soixante dix sept ans !

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Que reste-t-il des Wampas lorsque guitares électriques, basse et batterie sont confinées?

Accompagné par la pianiste TF Eliz, Didier se mue en crooner punk pour réinterpréter les morceaux des Wampas et leur insuffler une dimension inédite. Vos émotions risquent d’être titillées, sans jamais perdre leur rock n’roll !

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DJ Couf Couf sera en DJ set sur la terrasse le 13 août à 19h30 et 22h45 - accès libre dans la limite des places disponibles.

Les Frères Jacquard sont trois et c’est bien assez. Toujours impeccables dans leurs costumes de Tergal, ils forment la combinaison ultime d’une médecine ambulatoire pour les grand-e-s blessé-e-s des tubes de la variété internationale. Que vous les ayez aimés ou détestés (les tubes..), venez à l’une de leur consultation scénique, vous en ressortirez légèrement tourneboulés, un sourire au bord des lèvres.

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YN c’est une voix grave, une batterie percussive sur fond de samples et loops.

YN c’est un retour à l’essence même du mot RAP (rythm and poetry).

YN c’est de la poésie engagée, sombre et enragée.

YN c’est la rencontre de deux énergies voraces pour un son puissant, frénétique et viscéral.

YN c’est le symbole du YottaNewton, la plus haute unité dans l’échelle de mesure de la force.

YN c’est l’alliance de leurs initiales.

YN c’est l’urbain au service du viscéral. Et c’est aussi l’inverse.

YN c’est Yann, c’est N.Zaki.

C’est tout ça, YN. Et bien plus en live ! 

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Reconnu pour être l'un des meilleurs guitaristes en Irlande et au Royaume-Uni, Johnny Gallagher est d'abord et avant tout un artiste de scène où il peut exprimer tout son talent explosif. Ses concerts, aussi bien en solo ou avec son groupe The Boxtie Band sont un savant mélange de compositions originales et de versions personnelles des chansons de Pink Floyd, The Band, Lynyrd, Hendrix, Peter Green et Jimmie Rodgers.

Gallagher fait preuve d'un grand charisme et d'un grand enthousiasme communicatif sur scène avec une présence unique et indéfinissable. Comparé à ses compatriotes Rory Gallagher et Thin Lizzy, comme eux, il peut varier d'un rock agressif à des moments plus calmes et tendres, à la guitare électrique et acoustique.

Sa voix inimitable et expressive varie entre dynamisme et douceur, pouvant partir d'un cri pour finir en murmure. Sa musique a été décrite dans Time Out de Londres Magazine comme une "fusion magique de country, jazz, blues, roadhouse rock et rock n 'roll. »

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Né à la Réunion, Rawb a grandi dans un vivier culturel artistique et musical métissé, qui a ancré en lui une identité aux multiples facettes. Cette culture tropicale, combinée avec un goût prononcé pour les musiques jamaïcaines et le hip hop, des lyrics en anglais et français forment une recette étonnante de modernité, de fraicheur et de maturité.

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Autodidacte et pluridisciplinaire, Johan Papaconstantino produit une oeuvre globale en transposant ses sentiments à travers la musique et la peinture, puisant son inspiration dans les deux arts. Sa musique mélange des influences électroniques à ses racines grecques et aux sonorités orientales de son enfance.

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JOAO SELVA revient avec un deuxième album, véritable hymne à la créolité et au tropicalisme, porté par des sonorités funk, jazz ou encore disco. Un carnet de voyages exubérant où l’on retrouve la pétillante Flavia Coelho et le talentueux producteur multi instrumentiste Patchworks (Voilaaa, The Dynamics, David Walters, Mr President, Taggy Matcher). Embarquez pour une croisière musicale palpitante en compagnie d’un esprit brésilien nomade, naviguant à vue sur le mythique Atlantique Noir.

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Imaginé par le label clermontois Bat records, le Cabaret dub est un projet culturel interactif, adapté au contexte actuel sanitaire des salles de spectacles et de concerts. Une soirée de partage avec deux concerts inédits – Dub Shepherds feat Jahno et Nai-Jah – et deux interventions d’immersion et interactives sur l’histoire du dub et les techniques de création.

Avec : Felipe Araya, co-fondateur de Bat Records, Dub Master Clash, Fabasstone, bassiste de High Tone et derrière les machines au sein du collectif Dub Invaders ; et Anti Bypass, multi-instrumentiste membre du Dub Addict Sound System et électronicien aguerri.

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Matt Low nous présente son premier album. Ecrit et composé entre février et octobre 2018, il a été enregistré et mixé en 2019 par Peter Deimel ( DEUS, Anna Calvi, Miossec, Chokebore,...) au studio Blackbox, dans la campagne angevine.

On y retrouve son goût des ballades folk dépouillées , et on le voit aussi s'aventurer sur des terrains plus pop, où le tempo s'accélère. La douceur est toujours là mais il est désormais permis de se trémousser... La voix, grave, nous raconte une histoire d'amour, de mort, de renaissance, entre Auvergne et Arizona.

Après une première expérience en solo et français avec l’album “Eau” (Vicious Circle - 2015) qui a connu une jolie reconnaissance dans la presse, un nouveau chapitre s’ouvre aujourd’hui pour Alexandre Delano avec “Ven ven ven”, toujours en français dans les textes. Un disque intime, souvent chanté à deux voix, délicatement arrangé par les musiciens du Delano Orchestra. Dans ce recueil de chansons, les ambiances et les paysages s’ancrent et captivent, tandis que les ondes et rythmiques électroniques s’invitent au creux de cet univers traditionnel, champêtre et folk. On retrouve avec plaisir quelques éléments de la palette Delano (notamment les parties de cuivres et de cordes, toujours captivantes), mais en y découvrant de nouvelles couleurs, plus intimes et spontanées, qui confèrent à ces chansons une fraîcheur inédite.

«Des pulsions de compositions». Le désir de« s’envoler et de fuir très loin». Voilà ce qui a donné naissance à Domesticated. Six ans après la sortie de L’Aventura, après avoir signé quelques musiques de film pour le plaisir et écrit un disque pour Dita Von Teese, il était temps pour Sébastien Tellier de retrouver le huis-clos nécessaire à sa création personnelle. C’est dans le studio de Bernard Estardy, CBE, dans le 18e arrondissement parisien, qu’il a travaillé Domesticated, comme à la maison, sans se presser: «Quand on compose, on est naturellement à vif... et j’avais besoin de me sentir protégé.» 

« Entrer dans la couleur » est un concert de rock-fiction porté par un duo hors norme.

À la guitare électrique et acoustique : Yan Péchin, musicien-clé d’Alain Bashung, qui a accompagné aussi bien Rachid Taha que Brigitte Fontaine, Thiéfaine, Tricky, Miossec ou Higelin… Peintre en textures sonores, dont les doigts sont pinceaux, Yan est l’un des tous derniers Guitar Hero de l’Hexagone. Un monstre capable de sortir de son manche une balade folk, un drone sourd, une nappe acide ou un riff punk, un refrain lumineux puis une mélodie rock, en s’offrant toujours des salves d’improvisation comme si pour lui, les seules notes qui comptent n’étaient pas encore écrites, mais inscrites dans ses nerfs comme un cri qui crépite et qu’il va libérer, à la gratte. Pour lui, la seule partition, c’est le texte.

Au texte et à la voix justement : Alain Damasio, l’auteur culte de la SF française, triple détenteur du Grand Prix de l’Imaginaire, qui en seulement deux romans — la Horde du Contrevent et Les Furtifs, — a dépassé les 500 000 lecteurs et conquis le public et la critique. Figure engagée, il met ici en bouche et en cri son écriture physique et «poéthique», toute d’assonances et d’échos rythmiques, et fait bruisser dans ses textes son goût de la furtivité, des voltes et du vivant face à cette société de contrôle qui nous trace tout en nous sécurisant pour mieux nous anesthésier dans nos technococons.

Issus pour beaucoup des Furtifs, les textes ciselés du concert, politiquement très habités, traversent comme une lame les

enjeux de notre époque. Au fil des morceaux, ils tissent la trame de ce renouement au vivant que Damasio appelle et que

Péchin opère.

Récits, slams ou manifestes, tous deux nous poussent à sortir de nos résignations pour entrer avec eux dans la couleur. « Être moins celui qui brûle que celle qui bruisse » et faire toucher du doigt et de la voix cette intuition : «s’il existe une éthique, en tant qu’être humain, c’est d’être digne de ce don sublime d’être vivant. Et d’en incarner, d’en déployer autant que faire se peut les puissances ».

Réunis sur scène, Damasio & Péchin portent le métal des mots et des notes au point d’incandescence, là où la voix devient

liquide, et les sons des nappes subtiles de lave qui trouvent leur voie dans nos têtes et nos veines.

Le futur, c’est maintenant. Plus qu’un spectacle, une initiation au monde qui vient.

Les champion du Monde 2018 de Beat Box, non content d’avoir rempli deux fois le Bikini en quelques mois, et d’avoir joué devant 60 000 personnes lors des deux Stadium de BigFlo & Oli en Mai 2019, reviennent une troisième fois au Bikini en Décembre 2019 !

Issus d’univers et de parcours musicaux très différents, « Berywam » est un cocktail détonnant de saveurs musicales diverses. Voguant entre Hip-Hop, Raggae, musique classique ou électro, Berywam transcende les limites de la musique vocale.  

Tous les 4 très actifs et polyvalents sur le plan individuel (concerts solo, battles nationaux et internationaux...), les membres de Berywam nourrissent leur travail d'une inspiration sans borne et d'une ouverture musicale considérable.  

This Is The Kit annonce la sortie de Off Off On pour le 23 octobre via Rough Trade Records. Depuis 2008 et leur premier album Krülle Bol, la britannique Kate Stables et son groupe se sont démarqué·es par la douceur et l’émotion de leurs histoires, racontées sur une folk délicate. Sur ce cinquième album produit par Josh Kaufman (Muzz, Bonny Light Horseman, Hold Steady), Kate Stables se distingue une fois de plus par ses qualités de parolières.

Après Moonshine Freeze et sa tournée de 2018, Kate Stables a pris un temps à part suite à l’invitation de The National à participer à l’album ‘I Am Easy To Find’, sorti l’an passé chez 4AD. Un changement dans ses habitudes d’écriture qui a beaucoup apporté à la musicienne : elle y a trouvé l’espace pour travailler ses titres sans la responsabilité incombant à une meneuse de groupe.

Actif au sein de plusieurs formations aventureuses (Orgue Agnès, Kaumwald, Tanz Mein Herz), Ernest Bergez fait converger les lutheries électroniques et acoustiques dans une logique d’hybridation.

En solo sous le nom de Sourdure, il investit le répertoire traditionnel du Massif Central et développe une forme de chanson personnelle et bricolée, en français et en occitan auvergnat.

Prospective et empirique, sa démarche se situe à la jonction entre un esprit d’expérimentation, une pratique du violon et du chant attachée aux traditions populaires du Massif Central, une recherche poétique dans le bilinguisme franco occitan et une longue habitude de cuisiner avec divers instruments et outils électroniques.

Avec la création en 2019 du quatuor Sourdurent, aux côté de Jacques Puech, Elisa Trébouville et Loup Uberto, il exerce sa plume à l’occitan, se mettant au service d’une musique d’ivresse et de communion et assumant un tropisme pour les musiques populaires du moyen-orient et des pourtours méditerranéens.

Sourdure fait converger ses recherches esthétiques et sa quête poétique en occitan sur ’De Mòrt Viva’, un disque conceptuel qui prend des formes des système divinatoire, à sortir chez Pagans, Les Disques du Festival Permanent et Murailles Music le 2 avril 2021.

Les chansons de Gauvain Sers descendent dans la rue. Certaines se chantent le poing levé. D’autres se fredonnent le sourire aux lèvres. C’est avec ce répertoire façonné sur deux axes, où la poésie se mêle au social, que le Creusois nous embarque dans son deuxième album au titre évocateur, Les Oubliés.

Oh! Pardon tu dormais… c’est le titre d’un film de Jane Birkin puis une pièce et aujourd’hui c’est un concert que nous propose la chanteuse. Pour ce nouvel album c’est Etienne Daho qui prend la direction artistique : Cet album est le fruit d’une obsession qui m’a envahi après avoir vu « Oh! Pardon tu dormais », pièce écrite et jouée par Jane Birkin en 1999. Le texte puissant de Jane inspirait une oeuvre musicale et je lui proposais de tenter cette aventure. Nous nous sommes enfin retrouvés en studio, 20 ans plus tard, mais au bon moment. Comédienne et chanteuse d’une extrême sensibilité, Jane Birkin reste la plus troublante interprète de Serge Gainsbourg et berce depuis trente ans la chanson française avec sa voix singulière.

Guillermo Guiz revient sur son éducation, élevé par un père seul, féministe et misogyne, qui était « sûr de l'inexistence de Dieu, mais pas du temps de cuisson des œufs mollets ». L’humoriste belge évoque la thématique de la transmission, livrant un témoignage aussi drôle qu’émouvant sur son rapport à l’enfance.

Marion Brunetto. Balance ascendant Balance. De quoi aimer les contrastes et les (dés)équilibres – en témoigne son nom de scène : Requin Chagrin, inspiré par cet animal marin devenu son totem. De l’eau a coulé sous les ponts depuis son arrivée à Paris, à peine majeure, et son apprentissage d’une dream pop mêlant rock californien, noisy-pop anglaise, héritière outsider des Yé-yé : une musique anglo-saxonne explorée de manière unique en France. En témoigne le premier single, Déjà Vu, dont le clip réalisé par Antoine Carlier reflète l’énergie à la fois synthétique et onirique. Et ce riff de clavier qui emporte tout sur son passage.

A chaque naissance un baptême, et à chaque renaissance, son nouveau nom. Un prénom, dans ce cas précis, qu’Olivia Merilahti a choisi pour décliner l’identité et la nature de cette première aventure musicale en solitaire. Un album de pop multidimensionnelle, qui répond au nom et aux échos d’une alter-ego venue d’ailleurs: Prudence.

Après s’être illustrée pendant plus de dix ans au sein du duo The Dø, c’est à l’issue de leur dernière tournée que le chemin solo d’Olivia s’est dessiné. Une autre direction qui a pris le temps de l’évidence, authentique et irrésistible, pour naître aujourd’hui sous les traits d’un double justicier. Cette Prudence, dont la liberté permet au songwriting d’Olivia d’introduire une autre sphère. Celle où les carcans se fêlent enfin pour laisser passer sa propre lumière.

Toujours portée par un amour dédié à la pop sous toutes ses formes et une volonté de retranscrire l’air du temps, ce premier album puise ses racines dans différents décors.

Autant inspirée par les pionnières des machines synthétiques, Suzanne Ciani en tête, que par Kraftwerk, Sia, ou Drake, en passant par les bandes originales de Hans Zimmer, notamment celle du film Interstellar, Prudence évolue dans la ville comme au ciel, urbaine et céleste. Et fait de ce premier voyage son territoire. Au détour de provocations salvatrices (« Never with U »), on peut y croiser des éclairs de comédie sensuelle (« Playmate »), des déclarations d’amour universel (« Good Friends »), une pépite scandée sur des murs de graphite (« City on fire »), avant de redécoller à bord d’une ballade en forme de drapeaux blanc (« Be Water »).

Aidée par un équipage composite de collaborateurs (Xavier de Justice, Surkin,…), Prudence se sert de la distance entre elle et sa créatrice pour faire passer ses messages. Plus rien n’est impossible, il suffit d’en avoir la conviction et le courage. C’est précisément l’une des missions de cette héroïne. Femme, soeur, mère, justicière, quatrième étoile des Cat’s Eyes, néo-Rachael de Blade Runner, le « Ghost in the Shell » dans le miroir qui éclot une fois la nuit tombée, et offre son pouvoir aux yeux du monde. Celui de mettre en musique la science-fiction au service de la réalité. Et s’élever. 

Poupie est une pile électrique. Cela se ressent dans sa façon d’être, et dans sa musique. A 21 ans, la chanteuse sort son premier EP, intitulé Poupie, qui dévoile toute l’énergie et la singularité d’une artiste en construction permanente. Et qui dit construction dit naturel qui revient sans cesse au galop. Sur les sept titres qui composent ce nouveau projet, elle explore ses idées trap, reggae et pop dans un délire dont elle seule pouvait être l’auteure. Il y a toujours un mot, une expression qui nous rappelle qui on écoute. Au détour d’une phrase ou d’un couplet, Poupie est constamment là, ne copiant personne. Son parcours est encore neuf, mais Poupie a toujours baigné dans la musique et dans l’écriture. D’abord en anglais, puis en espagnol. Ça n’est que récemment qu’elle s’est essayée au français. Un déclic : « C’est une langue si proche de moi qu’elle m’a autorisée à aller chercher plus loin dans ma personnalité, à dévoiler plus de choses. » Durant son enfance, elle a vécu dans dix-huit villes différentes, puis passé plusieurs années à l’étranger. C’est peut-être de là que Poupie tient cette capacité à ne pas se laisser enfermer ni dans des cases ni dans des termes, cette envie de passer des sonorités jamaïcaines à la variété, des inspirations rap aux envolées vocales audacieuses. Trop souvent, on demande aux musiciens de rester homogènes dans leurs projets, de chercher la cohérence à tout prix. Mais pourquoi s’arracher les cheveux quand l’évidence est sous nos yeux ? La cohérence, c’est Poupie elle-même, sa voix si reconnaissable et cette vie qu’elle raconte. Son

excentricité apparente cache en fait une personnalité terre-à-terre, qui sait précisément où elle veut aller musicalement. Ceux qui ont travaillé avec elle le savent très bien. High P, Le Side, Todiefor… Pour réaliser cet EP, elle s’est entourée de producteurs ancrés dans leur époque, reconnus pour être de

ceux qui façonnent les sonorités actuelles. Poupie marque les esprits telle qu’elle est. Pas besoin de mentir ou d’en faire trop. Musicienne

également, pouvant alterner sans sourciller une production autotunée avec un morceau où elle s’accompagne au piano ou à la guitare, elle a un nombre de cordes déroutant à son arc. Tant mieux. Son nouveau projet est la preuve que si l’intuition et le talent sont là, tout le reste est secondaire.

Gaëtan Roussel, voix légendaire de la scène française contemporaine, poursuit en parallèle de son groupe Louise Attaque un parcours solo aussi unique que fascinant.
Il revient le 20 novembre avec ON NE MEURT PAS (EN UNE SEULE FOIS), un titre fort et jubilatoire, un riff incroyablement entraînant, un refrain déchaîné, un hymne porté par une interprétation explosive de l’auteur-compositeur-interprète aveyronnais. On ne meurt pas en une seule fois. Ou, dit, de manière autre, la vie se poursuit malgré les orages, les secousses ou encore les ruptures et les choses qui prennent fin. C’est avec ce dernier axe que Thomas Lepage a décidé d’illustrer la chanson de Gaëtan Roussel, tout en mettant à l’honneur la continuité. Il a choisi pour cela le domaine du sport et est allé, caméra à l’épaule, filmer la nouvelle vie de grands sportifs français ayant « raccroché les gants » mais qui continuent leur vie. Ainsi, il y a plusieurs vies en une. On découvre Martin Fourcade, Bixente Lizarazu, Marie-Jo Perec, Bernard Hinault, Alain Prost, Jean-Pierre Rives et Christine Aron, qui se sont merveilleusement bien prêtés au jeu en nous dévoilant leurs nouveaux métiers de consultants, agriculteurs, sculpteurs…

L’afrobeat semble avoir décidément trouvé refuge chez la nouvelle génération du jazz londonien : menant leur pirogue à travers cette foisonnante jungle urbaine, le groupe Nubiyan Twist vient ajouter une pierre à l’édifice avec un deuxième album, justement appelé Jungle Run. Créée à l’université de Leeds (véritable vivier de talents musicaux, particulièrement ces dernières années), cette formation de dix musiciens s’est naturellement retrouvée à Londres, où elle s’est frottée aux autres piliers de la scène jazz actuelle (entre Moses Boyd, Shabaka Hutchings et autres Ezra Collective). C’est chez Strut Records que cet assemblage d’afro-jazz, de hip-hop et de textures électroniques paraît : on retrouvera sur le disque deux idoles (Tony Allen et Mulatu Astatke himself), mais aussi des voix moins connues, dont celle de Nick Richards, qui vient adoucir le groove brûlant de « Tell It To Me Slowly ».

« Facile x fragile » signe le grand retour de Camélia Jordana, un double album fascinant et éclectique, deux faces de cette artiste surdouée, un grand écart entre des tubes pop et des titres intemporels, enregistrés avec passion l’été dernier en Provence.

Le jeune producteur à l’ascension fulgurante s’est taillé une place de choix sur la scène électro française et internationale avec une forte identité sonore, mêlant tout en élégance post-dubstep britannique et nuances orientales. Un subtil alliage de textures qui prend tout son sens sur scène, quand l’électronique rejoint l’organique. 

Après plus d’un an de pause, Sinsemilia a fait son retour en 2019 avec son nouvel album « A l’Echelle d’une vie » (sortie 26 avril 2019), une nouvelle tournée, un son qui ne cesse d’évoluer ! En 2020, la tournée se prolonge et le groupe aux 10 disques d’or continue son chemin avec ce même goût pour les concerts spectaculaires qui fait sa force depuis plus de 25 ans. Au-delà des modes et des générations, le groupe poursuit donc une aventure dont le reggae les textes humanistes et la sincérité restent les étendards ! Sinsémilia vous donne rendez-vous le 16 mai 2020 à la Coopérative de Mai !

L’album de Marquis, Aurora, a commencé d’être enregistré à l’hiver 2017 et devait devenir le troisième album de Marquis de Sade. Quinze musiques originales ont été initialement gravées sur le disque dur du studio NDE à Lanmeur. Philippe Pascal avait chanté deux de ces nouvelles chansons entre décembre 2018 et janvier 2019, mais elles ne sont pas sur cet album de Marquis et sortiront fin 2021 dans un coffret qui résumera l’intégralité de la carrière de Marquis de Sade.

Les 13 autres titres constituent la base du projet Marquis. Marquis tout simplement car il a semblé au reste du groupe qu’il était impossible de continuer l’aventure sans Philippe sous le nom de Marquis de Sade. Marquis parce que ces chansons ont été composées et jouées par les mêmes personnes, Éric, Thierry et Frank, qui ont composé et joué Dantzig Twist et Rue de Siam.

Ce projet est un hommage, mais aussi une renaissance grâce à la rencontre avec Simon Mahieu, un chanteur belge de 30 ans, imprégné de culture post punk. Une rencontre qui s’est faite à Bruxelles, alors que Frank et Thierry enregistraient des claviers avec Ad Cominotto (Arno, Adamo) à l’hiver 2019, à un moment où le projet n’avait plus d’axe directeur puisqu’il était question d’inviter un chanteur par titre.

Mais, Simon, après quelques essais échangés par internet, a totalement conquis les trois Rennais. Et l’album, où l’on entend par ailleurs avec grand plaisir Ivan Julian (Richard Hell & The Voidoids), Richard Lloyd (Television) à la guitare, James Chance ou encore Daniel Paboeuf aux saxs, a pu été achevé en septembre 2020. On y découvre également quelques chanteurs invités, chacun sur un titre, tels Etienne Daho, Dirk Polak (Mecano) et Christian Dargelos (Les Nus) ou encore le regretté Dominic Sonic qui interprète en duo avec Simon une reprise d’Ocean du Velvet. On croise également Marina Tcheski, pour un duo sur Brand New World.

L’album, mixé par Dan Lacksman et Sebastien Lorho, et masterisé par Chab, sort en février 2021 en distribution Caroline/ Universal.

L’idée d’amener Aurora sur scène a très tôt titillé les quatre membres de Marquis. Aussi, pour se rapprocher autant que faire se peut de l’ambiance de l’album, le quatuor s’est adjoint en vue des concerts les services d’un deuxième guitariste, Kobe Dupont, Belge lui aussi et membre du groupe flamand Gepetto and the Whales. Paul Dechaume, qui tenait les claviers lors de la reformation de Marquis de Sade est aussi de l’aventure, et Daniel Paboeuf, membre historique de Marquis de Sade, sera la plupart du temps à leurs côtés.

Marquis, groupe européen et trans générationnel s’il en est, est en répétition pour la scène à partir novembre 2020, et participera aux Transmusicales de la même année.

Après plus de 15 années passées sur les plateaux de télévision à interpréter des personnages plus fous les uns que les autres – dont Sébastien Patoche, pour ne citer que lui – Cartman monte enfin sur scène dans « one », son premier one man show.

C’est le jour de ses 40 ans qu’il a décidé de sauter le pas, et ce n’est pas un hasard. Cet âge un peu bizarre où on a encore une PlayStation, mais qu’on a aussi rendez-vous chez le proctologue, où quand on fait la fête, on arrête de boire à 23 heures pour ne pas avoir la gueule de bois, où on sait poster une photo sur Facebook, mais pas sur Snapchat .

Sa mission : vous prouver en un peu plus d’une heure qu’on peut être petit, chauve et heureux
!

Thurston Moore créait Sonic Youth en 1980. Depuis, le musicien est resté sur le devant de la scène rock alternative, genre dont il est l'une des références nommé après son œuvre pour parler de cette musique qui défie les standards mainstream.

MAGENTA est un projet de musique électronique en français. On l’a commencé en 2015 parce qu’on avait envie de créer une musique « ​qui danse et qui pense​ » ensemble. L’impulsion première ça a été la redécouverte d’un pan de la musique électronique de notre adolescence - en premier lieu la « French Touch » des années 1990 et 2000. Après avoir recommencé à écouter cette musique on a vite développé une curiosité pour les méthodes de production de l’époque. On a acheté des boîtes à rythmes et des samplers puis on s’est mis en tête d’essayer de recréer cette musique à notre manière. À la base on est quatre amis de longue date et on avait déjà fait plein de choses ensemble. Mais l’envie du moment c’était vraiment de faire des boucles et de se laisser hypnotiser. Faire une musique « corporelle » plus que cérébrale en gros. Le texte est revenu plus tard quand on a eu à nouveau besoin de mettre du sens dans les morceaux. En français du coup. Les premiers morceaux de MAGENTA sont finalement nés dans la chambre de l’un de nous qu’on a aménagée en ​home studio ​- ​ boulevard de Magenta à Paris. Le nom du projet s’est finalement imposé de lui-même comme un hommage à cette période de gestation… Et un clin d’oeil aux quartiers que le boulevard traverse dans lesquels on zonait pas mal à l’époque. 

A l’aube d’une nouvelle ère, Hilight Tribe brise les frontières avec son Live Natural Trance 100% explosif qui déchaine les dancefloors de France et d’ailleurs.
Depuis plus de 20 ans, la « Tribe » répand le message de la Natural Trance ou « Techno Accoustique » à travers un mode de vie proche de la Terre et conscient des technologies actuelles. Avec 8 albums et près de 1000 concerts à leur actif, les Hilight Tribe innovent dans un son électro-instrumental où fusionnent Guitare, Basse, Batterie, Voix Congas, Djembé, Didgeridoo et autres percussions ou instruments a cordes originaires des quatre coins du monde.   Sur scène, la Tribe déploie une énergie survoltée afin de créer une osmose entre musiciens et public, rythme et danse, sons futuristes et cadences tribales, le tout dynamisé par un puissant « kick-bass ». Chaque instrument est joué en temps réel et relié à des capteurs ou effets, créant ainsi une alchimie entre sonorités modernes et ancestrales. Précurseurs d’un style devenu un courant musical, les Hilight Tribe vous invitent à un voyage au delà du temps et de l’espace ou l’esprit du Roots vient guider le monde moderne vers le chemin de la Trance…

Après des albums platine et or, et le succès planétaire du remix de Prayer in C, Lilly Wood and the Prick revient avec son album pop et oxygénant porté par la voix soul et écorchée de Nili qui balaye la morosité de l'année 2020. 

Ca donne quoi, un rap vraiment mûr, où la mélancolie nappe une trap sèche et parfois club ? Celui que fait Bosh. Le MC de 28 ans se démarque par son originalité : faire du rap street mais chargé de sentiments.

Son premier album Dos argenté sort en 2018 et oscille entre trap énervée et morceaux festifs mâtinés d'afro où il se livre crûment et prouve qu'on peut émouvoir tout en faisant du « sale ». Il est suivi de Synkinisi , sorti en mai, un recueil de morceaux nerveux, courts et techniques.  

Il est également au casting de la série Validé, réalisée par Franck Gastambide (Pattaya, Taxi 5...), où il tient le rôle d’un personnage qui s'appelle Carnage, comme l'un des titres qu'il a sorti en 2018.  

On dit que l'appétit vient en mangeant, et vu la qualité du projet, Bosh n'est pas près d'être rassasié.  

« Je suis très excité de repartir en mars sur la route avec un nouveau disque, une nouvelle équipe, une nouvelle vie. Un vrai gamin !

Les nouvelles chansons qui arrivent parlent surtout d’amour et de lumière. De jeunesse sauvage, et de course effrénée vers la pureté. Ce n’est pas un hasard si le mot heureux revient et revient encore dans les textes. En tous cas, même si les gens ne passent qu’à côté de mon album, ils se brûleront à l’incendie qui ravage mon ventre. J’ai écrit la musique avec un jeune pianiste de génie, Augustin Charnet, compositeur touche-à-tout, surdoué, notamment avec les dernières technologies. Il m’accompagnera sur la route avec deux autres musiciens dans une formule inédite pour moi. Cette nouvelle meute ivre de folle jeunesse m’offre aujourd’hui des perspectives tellement excitantes. Encore une fois, je repars heureux sur la route et si c’est ma dernière ligne droite, je vais la prendre à fond... Cavale, ça veut dire s’échapper! Je vous embrasse. » Cali

Si ce spectacle était un plat ça serait une sorte de hachis Parmentier avec des vrais morceaux de Constance à l’intérieur.
Dans ce « Pot-pourri » tu trouveras des anciens comme des nouveaux sketchs fourrés avec soin à la violence verbale poétique et libératrice. Chaque personnage te rappellera combien la comédie humaine est absurde et je te propose d’en rire plutôt que de te pendre. 

Mercy est le premier album de Natalie Bergman, un album solo auto-produit en ces temps étranges et pendant une période personnelle de tristesse profonde et de réinvention. Surprenant, parfois beau, cet album est une ruée vers le bord de la falaise, Avec un indéfectible regard vers le bas.

Cet album pousse à la rédemption par le pouvoir, il est resplendissant et original, et surtout profondément cathartique. 

Parcourant les répertoires hip-hop, soul et jazz, le chanteur à l’éternelle casquette des Yankees, est découvert au cœur d’une scène crossover new-yorkaise emmenée par Robert Glasper.

José James a été l’une des grandes révélations vocales masculines de ces dix dernières années. Un timbre suave, langoureux. Une voix d’une superbe élasticité rythmique. Il se passionne un temps pour le rap, mais conserve un amour indéfectible pour le jazz et la soul, John Coltrane et Marvin Gaye en particulier. Ses premières performances font immanquablement penser à Gil Scott-Heron. Découvert par le grand public avec la sortie de No Beginning No End, publié en 2013 chez Blue Note - un petit bijou de nu-soul et de jazz sur lequel officiait Robert Glasper au piano et à la production -, le chanteur de Minneapolis semble être aussi à l’aise dans le registre du hip-hop que dans celui du jazz, ce qu’il a prouvé il y a deux ans avec Yesterday I Had the Blues, un très élégant et réussi hommage à Billie Holiday. Par la suite, c’est un autre de ses héros qu’il célèbrera avec un tribute to Bill Withers.  

Yelle revient avec "Je t'aime encore", une lettre à son pays adoré, la France. Une déclaration d'amour avec un point d'interrogation, sur des accords qui nous bercent et un beat qui nous rappelle à quel point Yelle ne peut s'empêcher de nous faire danser. Danser et pleurer en même temps. Pleurer d'émotions, puis les explorer de multiple façons, dans son album à paraître début Septembre 2020 !

Activiste du reggae et de la musique indépendante depuis 2001, DANAKIL sillonne les
routes du monde entier, délivrant des centaines de lives brûlants qui font une grande partie du succès du groupe. Nouvel album en préparation pour l'automne 2020 !

Solaire et solo. C’est ainsi qu’on pourrait décrire ce dix-huitième album studio de notre insolite et salutaire néerlandais franco-fou chantant. Dick Annegarn, sa voix, ses textes, sa guitare, dans le plus simple appareil.

Söl, renoue superbement avec la veine blues-folk loufoque que Dick le troubadour réinvente à sa manière depuis plus de quatre décennies.

Cet album nouveau, enregistré seul dans sa tanière rurale en Haute Garonne, confiné avec poules, canards et lapins. Un disque qui salue aussi le retour du Dick prodigue dans sa maison de disques fétiche, le label tôt Ou tard.

"Modigliani", artiste maudit et charmeur, alcoolique et toxicomane, pour lequel un Dick reporter est allé jusqu’en Toscane pour mieux s’y imprégner de la lumière, des couleurs et des odeurs en est le premier extrait.

Véritable sensation reggae du moment, Jahneration est un duo de jeunes chanteurs/producers aux influences entre la nouvelle scène jamaïcaine, le Hip-Hop US et les plages de Californie.

Après un premier album et une tournée de plus de 200 concerts depuis 2015, le groupe parisien continue son tour de France.

Après avoir passé plus d’un an terrés dans leur studio parisien, Caravan Palace refont aujourd’hui surface avec un nouveau single, "Miracle". Un morceau électro au groove contagieux, qui marque une nouvelle évolution dans le style du groupe et représente un avant-goût de leur nouvel album, à paraître prochainement
. La virtuosité musicale du groupe, alliée à son énergie et à sa joie de vivre, est évidente lors de ses impressionnantes tournées qui s’étirent sur plusieurs années et les ont vus jouer à Coachella, Glastonburry, Les Vieilles Charrues, Rock en Seine, Bestival, Boomtown, Paleo Festival, etc... 

Caravan Palace ne se contente pas d’impressionner la scène live, il s’agit de l’un les plus viraux du monde numérique, avec des statistiques en hausse rapide. 1 million d'abonnés à leur chaine YouTube, 1 million d'auditeurs mensuels sur Spotify, 250 millions de streams Spotify, 170 millions de vues du clip Lone Digger sur YouTube ou encore 1,6 million de vidéos uploadées par les jeunes utilisateurs de TIKTOK (l’application la plus téléchargée au monde en 2018). 

Après deux disques d’or et deux nominations aux Victoires de la musique, Feu! Chatterton est de retour avec son nouvel album : Palais d’argile, grandiose fresque cyberpunk pour les temps confinés, pamphlet adressé à la start-up nation obsédée par le progrès et ode lumineuse à la Nature et à la transcendance.

Après nous avoir enchanté avec ses deux EP « Rythmes & Botanique » et « Des fleurs », Gaël Faye revient avec un nouvel album dont la sortie est prévue cet automne.
On y retrouvera sa plume subtile et touchante, et des morceaux inédits prêts à nous faire chalouper durant les saisons à venir.  L’auteur de « Petit pays » sera de retour sur scène pour présenter ce nouvel opus, accompagné de Guillaume Poncelet au piano, Louxor aux machines et Samuel Kamanzi à la guitare et au chant.

Igorrr a cette précieuse et rare faculté à démontrer à travers sa musique que les genres n’existent pas, sans
produire un simple et vulgaire pot-pourri. Il n’a aucun scrupule à sampler ou enregistrer les plus extrêmes formes de metal, en les acoquinant à la décadence de la musique baroque au sein de rythmiques jazz, techno, country, détruites au beat repeater. Experience unique en live, il a été invité sur bon nombre de festivals et le nouvel album est prévu pour 2020.

Benjamin Biolay s’est imposé en quelques années comme le pilier de la chanson française avec ses textes hors norme, ses mélodies et ses productions percutantes. Son nouvel album “Grand Prix” sorti le 26 juin 2020, l’occasion de le retrouver sur scène en formation rock. Cinq premières escales exceptionnelles à Paris, Bruxelles, Lyon, Lille & Nantes avec plusieurs concerts par ville, avant d’entamer la grande course dans toute la France.

Disque d’Or dès son premier album en 2013, et véritable stakhanoviste de la route avec plus de 300 concerts réalisés depuis, ROVER est de retour en 2021 avec un attendu nouveau disque “Eiskeller”, son 3ème, écrit au 4ème sous-sol d’une ancienne glacière du 19ème siècle, en solitaire. Lumineux, réconfortant, émouvant, peut-être le plus bel album de Rover. 

On ne présente plus Vickie Chérie et Leo Bear Creek, aka The Pirouettes : après deux albums (Carrément Carrément, 2016, et Monopolis, 2018), d’incessantes tournées en France et à l’étranger (avec en point d’orgue des concerts triomphaux à la Cigale et à l’Olympia), et de nombreuses collaborations, le duo est devenu l’une des figures les plus marquantes et attachantes de la pop hexagonale d’aujourd’hui. Mais après l’annonce de leur séparation amoureuse, on pouvait craindre la fin de l’aventure musicale. Pas du tout, les Pirouettes nous reviennent avec un nouvel album dont le titre, Equilibre, n’est pas anodin. « Equilibre tu es un rêve inatteignable » dit la chanson éponyme. Et pourtant, l’équilibre, c’est bien l’objectif que se sont fixé Vickie et Leo pour continuer à travailler ensemble : un idéal de sagesse vers lequel se tourner, au cœur de la tourmente, et qui a guidé les Pirouettes, aussi bien en tant qu’artistes qu’en tant qu’êtres humains, au cours de l’écriture et de la composition de ce nouvel album. Il aura fallu en effet réapprendre à travailler ensemble, laisser de côté conflits et sautes d’humeur, et trouver des ressources de calme et d’empathie.

L’année 2020 des Têtes Raides sera intense avec la réédition de la discographie complète, un album best-of accompagnant la célébration des « 30 ans de Ginette » sur les routes estivales, ainsi qu’un Olympia prévu le 7 novembre. Un concert qui sera précédé par… un nouvel album. Qui dit mieux ? Personne. 

Après 25 ans de carrière, GYBE revient avec un nouvel album. G_d’s Pee AT STATE END! prend sa place dans la discographie intemporelle et tenace du groupe.

On connait Guillaume Perret comme un explorateur, un sculpteur de son au saxophone électrifié, avec ses univers surprenants et inclassables. Après avoir secoué les salles et festivals avec son projet « Electric Epic », suivis par une tournée en solo avec son album « Free », beaucoup attendaient son retour en groupe. Guillaume à remonté une équipe à l’occasion de la commande de B.O. pour l’épopée de l’astronaute Thomas Pesquet "16 levés de soleil ". Pendant leur tournée, le groupe affine un son unique, comme pouvait le créer les formations emblématiques du rock psychédélique et progressif. Un Jazz à l'architecture sonore proche de la transe et du voyage sensoriel, qui donne naissance à "A Certain Trip", son nouvel opus.

Il faut croire que les nombreuses musiques que Guillaume Perret a composé pour le théâtre, danse ou cinéma lui ont donné le sens de la dramaturgie et de la narration. "A Certain Trip" ressemble à un film de science-fiction en 3D, un opéra délirant ou un roman initiatique. Il ne tient qu’à vous d’embarquer dans cet étrange voyage à l’intérieur de votre propre corps, de sonder l’indicible et de goûter à de nouvelles sensations fortement addictives.

Groupe pionnier et novateur de la french pop depuis 2010, référence incontournable

célébrée ici comme ailleurs, La Femme revient opportunément Foutre le bordel pour

paraphraser l’un des quinze titres de Paradigmes, un troisième album qui va enfin réchauffer l’hiver 2021. Après les succès de Psycho Tropical Berlin (2013) – couronné d’une Victoire de la musique – et de Mystère (2016), tous deux disques d’or acclamés par la critique, La Femme poursuit son chemin vers l’indépendance avec le distributeur indépendant IDOL et établit les nouveaux Paradigmes sur un disque d’une variété inouïe, d’une ambition folle et d’une richesse étourdissante. En mouvement perpétuel, en effervescence permanente, les quatre comparses évoluent au gré des courants musicaux contemporains, empruntant ici à l’electro, là au rap, sans jamais perdre les racines rock sixties et seventies qui les ont

inspirés à leurs débuts depuis la côte basque. Au sommet d’une nouvelle vague française dont on ne compte plus les enfants et les cousins, La Femme a sillonné tous les territoires depuis dix ans, avec près de 500 concerts à travers le monde (dont plus d’une centaine en Amérique).

Dévoilé en septembre, le premier single Paradigme soulignait le flair visionnaire de La

Femme : “Pendant la nuit les paradigmes s’effacent /Les masques tombent pour célébrer le néant et la folie/Dans cette énigme qu’on appelle la vie/ J’ai envie de courir et de pleurer”. Avec son sens éprouvé et encensé du refrain, de la mélodie et du gimmick, La Femme se rappelait aux bons souvenirs des mélomanes qui chantent et dansent sur l’air de Sur la planche, Télégraphe, Antitaxi, Nous étions deux, Sphynx, Septembre, SSD ou Où va le monde ?, encore un titre idoine dans un monde incertain soumis à la pandémie, au (re)confinement et au couvre-feu nocturne.

Le prodige de la musique électronique française THYLACINE sort aujourd’hui son nouvel album TIMELESS, comprenant 10 œuvres classiques (et un interlude) revisitées et infusées du style unique du DJ et producteur.

Après avoir publié trois premiers singles - le chill Satie I basé sur la 1ère Gymnopédie d’Erik Satie, le puissant Allegri basé sur le Miserere de Gregorio Allegri et le plus ambient Sheremetiev basé sur le chœur orthodoxe ‘Nine sili nebesniye, Thylacine démontre une nouvelle fois tout son génie et son agilité musicale avec TIMELESS. Ce nouveau disque le voit escalader certains des plus grands sommets de la musique, issus des répertoires de Mozart, Beethoven, Schubert ou Satie, traçant de nouvelles voies en s’appropriant et revisitant des partitions comme on explore de nouveaux territoires : loin des sentiers battus.

« Sur Timeless, le voyage est moins littéral que sur mes deux premiers disques, mais ça reste un voyage temporel, une plongée dans l’histoire de la musique qui fait sens avec le travail développé récemment »

Timeless conjuguent les notes du passé avec les sons du futurs pour faire naître un présent immémorial.

Depuis quelques années, Lonepsi ballade son flegme de jeune loup entre la chanson et le rap. Il fait partie de cette génération qui ne voit pas pourquoi elle devrait choisir entre les styles, entre les influences électro et la musique classique, entre la pop et la plume des lyricistes.
Au lycée, déjà épris des mots et du sens du langage, il se prend de passion pour le rap. Il développe sa culture en écoutant des collectifs comme L'Entourage, la Scred Connexion, ou encore Lunatic et exerce son flow au cours de premiers freestyles. Il trouve dans les livres une bonne part de son inspiration lui permettant d’affiner son art. Dans le même temps c'est en autodidacte que Lonepsi fait son apprentissage sur un piano, développant ainsi sa personnalité musicale. Dans le rap français, Lonepsi est l’un des rares à composer lui-même. Entre piano et programmation sur Live Ableton, il taille sur mesure des instrumentaux pour révéler ses rêveries de promeneur solitaire.  

Avec son nouvel EP, Toutes les nuits du monde, Lonepsi délivre une voix à part, dotée d'une plume prête à poétiser le rap français.

Depuis 2002, Rebeka Warrior (Sexy Sushi & KOMPROMAT), poète de nuit, productrice de
jour, passée par les beaux-arts, et Carla Pallone (VACΛRME), compositrice, violoniste baroque devenue multi-instrumentiste, forment Mansfield.TYA. Si on connaissait jusqu'à présent le monde sensible de Mansfield.TYA : sens de la mélodie, mélancolie et minimalisme, aujourd'hui, le groupe revient avec une ode poétique New Wave. Avec M onument Ordinaire , à paraître en février 2021, Rebeka et Carla réalisent leur cinquième album. L'exigence du duo est telle qu’il leur faut à chaque album réinventer leur relation, attendre que les planètes s'alignent à nouveau. Les planètes ont enfin permis 13 titres, comme une superstition. 45 minutes de vie et de mort, de poésie taillée à même la roche, imaginées comme des paroles de Maitre Dogen (philosophe et poète Japonais) sur des mélodies simples et catchy de Jacno. Un album de mélancolie heureuse, une échappée pour célébrer l'amour furieux de la vie, comme autant de cris du coeur.

Attention ! C’est le retour du Supersonic, du célèbre viking du jazz, Thomas de Pourquery, amiral en chef de ce vaisseau. Saxophoniste et chanteur, il pilote avec brio cette dream team de jazzmen allumés.

Album de l’année aux Victoires du jazz 2014, Artiste de l’année en 2017, l’excitant Supersonic de Thomas de Pourquery, figure de proue d’une nouvelle énergie jazz en France, a su aborder et mélanger de multiples esthétiques. En toile de fond, toujours : une pulsation profonde issue de la great black music. On citera bien sûr Sun Ra ou l’Art Ensemble of Chicago. Le saxophoniste chanteur et ses complices ont explosé avec l’album Play Sun Ra, répertoire actualisé, bardé de fuzz et d’électronique. À la tête d’un Supersonic parfaitement déréglé, l’altiste nous convie à une sorte de grand-messe libératrice, un splendide ballet de comètes et de pulsions débridées, source de grande joie, entouré de ses fidèles acolytes.

En décembre 2019, elle signe chez le label Feuneu Guette Music. Le même mois, elle sort son premier single “J'attends” et atteint le million de vues. Elle continue sur sa lancer avec “J'peux dead” où Liam Pierron, apparaît comme son mari dans le clip. Le morceau s'est placé en en troisième position du Top YouTube Musique France et cumule près d'un million et demi de vues en un mois, connaissant aussi une grande notoriété sur TikTok. 

Faisant suite à l'album Portrait de 2019, Kerber est un nouveau chapitre dans l’oeuvre de l'artiste breton, qui commence par sa production la plus ouvertement électronique à ce jour.

Fidèle à l'approche nuancée et subtile de Tiersen, il ne s'agit pas d'un album de ‘dance music’ et d’un virage à 180 degrés, mais plutôt d'un monde électronique magnifiquement texturé, hautement immersif et soigneusement construit dans lequel on peut pénétrer. 

Toujours de la malice, des idées à profusion et des délices, à l’abordage de ce quatrième volet d’Enfantillages. Ce qui ne change pas, c’est le soin méticuleux apporté à l’emballage musical – arrangés de main de maître par Hubert Harel et Christophe Darlot, complices également à la scène – ainsi que l’opulence des invités, ouvert à tous les vents. Sont ainsi conviés à ce nouveau banquet : Calogero, la famille Souchon, Thomas Dutronc, Jérémy Frérot, Peter Garrett, Yannick Noah, Jeanne Cherhal, Gramoun Sello, les sœurs Berthollet, Arthur Teboul ( voix prédicatrice du groupe Feu Chatterton!), Oxmo Puccino, Youssou N'Dour, Raphaël Mezrahi et Guillaume Meurice, Alain Dorval ... Et même un certain Charlie Aldebert, son fils de sept ans, pour un échange existentiel autour de la naissance, du passage sur terre et de la mort (Le grand voyage).

Toujours de la malice, des idées à profusion et des délices, à l’abordage de ce quatrième volet d’Enfantillages. Ce qui ne change pas, c’est le soin méticuleux apporté à l’emballage musical – arrangés de main de maître par Hubert Harel et Christophe Darlot, complices également à la scène – ainsi que l’opulence des invités, ouvert à tous les vents. Sont ainsi conviés à ce nouveau banquet : Calogero, la famille Souchon, Thomas Dutronc, Jérémy Frérot, Peter Garrett, Yannick Noah, Jeanne Cherhal, Gramoun Sello, les sœurs Berthollet, Arthur Teboul ( voix prédicatrice du groupe Feu Chatterton!), Oxmo Puccino, Youssou N'Dour, Raphaël Mezrahi et Guillaume Meurice, Alain Dorval ... Et même un certain Charlie Aldebert, son fils de sept ans, pour un échange existentiel autour de la naissance, du passage sur terre et de la mort (Le grand voyage).

Charismatique et pleine d’énergie, la saxophoniste Lakecia Benjamin, a partagé la scène avec des artistes très remarqués tels que Stevie Wonder, Alicia Keys, the Roots, entre autres.Son jeu enflammé électrise la scène et les foules.

Cette jeune musicienne native de New-York devrait atteindre les sommets avec ce nouvel album entièrement dédié à la musique des 2 Coltrane, John et Alice.

Pour réaliser son projet, la saxophoniste n’a pas lésiné sur les moyens s’entourant d’un vrai all-stars transgénérationnel dont certains musiciens ont d’ailleurs joué avec John et Alice (Reggie Workman, Ron carter, Gary Bartz). Le résultat est superlatif et bien au delà de ce simple name dropping. Une vraie révélation explosive sur la scène du jazz.

Car Lakecia Benjamin insuffle à la musique de ses maîtres son propre souffle, sa propre inspiration ( elle vient de la soul) et surtout une énergie de dingue. Trois ingrédients qui suffisent à en faire une grande saxophoniste et surtout une vraie bandleader. La saxophoniste s’empare ainsi du répertoire, n’hésite pas à ajouter des textes, ce que la famille de Coltrane refuse généralement catégoriquement. Liberté d’artiste et risque totalement assumé.

Les fils de John Coltrane ne manquent pas dans le jazz. Les filles moins. L’univers de Lakecia Benjamin est le sien, le sien propre et ses révérences sont l’image d’elle-même.

Avec un héritage étendu sur trois décennies, Belle and Sebastian ont réellement gagné leur place dans l’histoire de la musique. Ce groupe unique, imprévisible et farouchement aimé sous-entend nombreux éloges, récompenses et applaudissements, comme gagner le BRIT Award « Révélation » en 1999, remplir complètement le Hollywood Bowl et contribuer à la bande-son de nombreux films (Juno, The Power of Nightmares…).

En 2018, ils sortent un trio d’EPs intitulés « How To Solve Our Human Problems, Parts 1-3», qui voit le groupe revenir à un format plus ancien permettant à sa musique d’émerger de manière naturelle lors des sessions EP.

Days of the bagnold summers sort en septembre 2019. Le projet Days of the Bagnold Summer (L’été des Bagnold) voit le jour en tant que roman graphique en 2012 sous la plume de Joff Winterhart. Il prendra bientôt la forme d’un film, avec l’adaptation cinématographique de Simon Bird (The Inbetweeners, Friday Night Dinners), et qui de mieux que Belle and Sebastian pour le mettre en musique ? Cette BO comprend onze titres originaux de Belle and Sebastian.

Belle & Sebastian reviennent en décembre 2020 avec un album live tout frais. Enregistré lors de leur tournée de 2019, ‘What To Look For In Summer’ capture le souvenir de jours plus simples, où assister à un concert était de l’ordre du familier.Ni une retrospective ni une compilation best of, l’album évoque la musique du groupe dans son ensemble, donnant autant d’importance à leurs premiers titres qu’à des compositions plus récentes.

Polo & Pan signent actuellement leur retour discographique avec un nouvel EP Feel Good qui vient de sortir et qui fait suite à leur premier album Caravelle unanimement salué, certifié disque d'Or en France et disque de Platine à l’international
.

Dans n’importe quelle discussion au sujet des auteurs-compositeurs et des paroliers de la musique indépendante du 21e siècle, Alec Ounsworth et son groupe, Clap Your Hands Say Yeah, figurent en bonne place. Peu d'entre eux se sont montrés aussi brillants, éclectiques et intimes. Ils sont encore moins nombreux à rester indépendants, refusant de signer des contrats qui compromettent leur vision artistique. C'est ce qui caractérise l'œuvre d'Ounsworth, en particulier le projet de vie qu'il a lancé au début des années 2000, Clap Your Hands Say Yeah. Et à chaque sortie depuis le premier album éponyme, il a affiné et élargi son son, s'adonnant à un ensemble d'influences toujours plus large.

Prolifique et énigmatique comme jamais, ses œuvres récentes marient l'esprit excentrique et décalé des premières années avec une confiance bien méritée et un sens plus grand de l'échelle et de l'ambition. Toujours à la recherche de nouveaux arrangements de chansons et d'une connexion organique avec son public, Ounsworth reste, après presque deux décennies, l'une des voix les plus distinctives de la musique.

Souvent comparé à Stevie Wonder, Al Jarreau ou Seal, Raul Midón s'est créé son propre univers, en proposant un melting-pot unique de soul, jazz, folk, blues, R&B et de musiques latines. Compositeur et interprète, il possède ce talent rare de transformer son unique instrument en un orchestre et sa voix en une incroyable chorale ! Admiré pour ses prouesses vocales, il a collaboré avec des musiciens venus d'horizons très divers, de Herbie Hancock à Snoop Dogg ou Marcus Miller, tout en menant une carrière solo internationale. Aveugle de naissance, Raul Midón s'est battu pour faire ce qu'il aimait le plus : la scène. Un espace où il se livre entièrement, heureux de pouvoir vivre de sa passion.

Although heavy metal and progressive rock has always been his primary focus, each year that passes recently has resulted in new peripheral works that have seen him branch off to everything from country, new age, ambient noise or even orchestral musical theatre. As endearing as that has been to his constantly growing fanbase, it has also made it difficult to classify with much accuracy what he does and what he represents. Who is Devin Townsend? What is his musical identity? With his new album, ‘EMPATH’, we find that Devin Townsend is actually all of these things.

Le légendaire groupe Steel Pulse, fer de lance du reggae UK , vénéré par les jeunes générations d'artistes et plusieurs génération de fans, reste une entité exceptionnelle de toutes les scènes autour du monde. Témoins de l’accélération de la négativité de la globalisation, Steel Pulse Pulse revient en force avec le nouvel et tant attendu album "Mass Manipulation" qui démontre les possibilités infinies de briser le mur de la cupidité systématique et reflète les quatre décennies de messages de Steel Pulse pour l’amélioration de l'humanité par la musique et la solidarité.

Joe Satriani guitariste virtuose connu dans le monde entier, annonce les premières dates de sa tournée 2020. Le Shapeshifting Tour débutera le 5 avril 2020 à Mayence, en Allemagne, avant de passer par d’autres villes du pays, puis en Suisse, aux Pays-Bas, au Danemark, en Suède, en Norvège, en Pologne, en République Tchèque, en Autriche, en Hongrie, en Italie, au Royaume-Uni et en France pour s’achever mi-juin. D’autres dates seront annoncées seront annoncées bientôt, et les dates de la tournée nord-américaine arriveront à l’automne 2020.

L’art du grand détournement. De l’humour, de l’énergie, du rock n’roll.

Répliques de film, publicités, discours politiques, buzz du web, tubes interplanétaires, ce que l’industrie culturelle a produit de marquant depuis ces 70 dernières années s’y retrouve mélangé, encastré, compressé et resservi avec humour, anachronisme et poésie. Bowie y donne la réplique à Sylvester Stallone, Macron y croise Jean-Claude Duss, “Star wars” flirte avec « Norman fait des vidéos » ou “ La Reine des Neiges ”. Le tout ponctué par les riffs percutants d’AC/DC, la pop sucrée de Taylor Swift ou le flow irremplaçable de RUN DMC... the best of pop culture !

Le patron des Stooges domine cette année anniversaire de la tête et des épaules.

Avec Free, dernier album apaisé et inspiré par le jazz, la poésie, Lou Reed, Dylan Thomas et sa propre vie, l’Iguane nous fait l’honneur d’un concert exceptionnel, crooner magnifique et héros incontesté de la grande histoire du rock.

Butler, le musicien indépendant le plus récompensés d'Australie, a publié son septième album studio HOME en 2018, qui explore un nouveau territoire sonore, élargit l'instrumentation et expérimente de nouveaux genres tout en conservant l'essentiel de son son qui lui est propre. Après de nombreux concerts à guichets fermés en Europe et de gigantesques scènes lors de festivals tels que Solidays et Eurockéenees, entre autres, Butler sera de retour en 2020 dans un cadre plus intime, interprétant des versions intenses et franches des chansons de son dernier disque ainsi que les morceaux favoris des fans.

Après le triomphe de leur tournée 3-D, les pionniers de la musique électronique Kraftwerk annoncent deux dates exceptionnelles en France. En mélangeant son et performance artistique, les concerts 3-D de Kraftwerk sont une "Gesamtkunstwerk - une oeuvre d’art totale." 

Poussez-vous de là, qu’il s’y mette. Sur son trône de fortune, Hatik s’approprie la scène rap comme il s’approprie l’espace public. Sans demander la permission, comme il veut, où il veut. Avec sa collection de « Chaises Pliantes », shots audiovisuels aux couleurs du temps, il n’en finit plus de faire exploser les compteurs.

Son univers, si puissant soit-il, se fait aussi appât pour mieux distiller ses pensées sous couvert d’instrus désirables et de punchlines impérieuses. La preuve en est avec ses désormais célèbres mixtapes Chaise Pliante I et Chaise Pliante II, sorties respectivement les 30 Aout 2019 et 06 Mars 2020 devenues de beaux succès d’estime auprès des médias et du public qui lui ont définitivement laissés une place parmi les plus grands : Hatik s’offre des featurings de marque tel qu’Hornet la Frappe, Médine ou encore l’étoile montante italienne Paky.

Live fulgurant dans la tradition afrobeat de Fela Kuti : rythme, groove, énergie pulsative irradient quand ce big band de Brooklyn entre en scène!
Avec une solide section de cuivres, un gang de percussionnistes experts, une rythmique funky et des textes chantés en anglais, espagnol et yoruba, Antibalas possède une puissance de feu prête à donner un nouveau souffle torride à l'afrobeat. Dans la plus pure tradition de Fela Kuti. Fer de lance du mythique label Daptone Records (Sharon Jones, Charles Bradley, ...), imprégné d'influences musicales diverses, avec autant d'apports latino et ouest-africains, que purement américains, Antibalas est décapant de sons électriques et traditionnels. En somme, un groove dansant et hypnotique. Vingt ans et des milliers de concerts après leur naissance dans un hangar funky de Brooklyn, le combo dont le nom signifie « pare-balles » en espagnol, demeure fidèle à sa formule à haute teneur énergétique, où les mots portés par le charismatique chanteur Duke Amayo ciblent les maux qui minent nos sociétés. 

Cat Power (Chan Marshall), a produit entièrement son dernier album Wanderer. Cet album inclus des apparitions d’amis et d’anciens compatriotes, ainsi que de nouvelle rencontre comme Lana Del Rey. Écrit et enregistré à Miami et à Los Angeles au cours des dernières années, le nouvel album Wanderer est un retour remarquable d'une voix américaine emblématique.

Inventeurs bien malgré eux du mot grunge. Entre 1988 et l’explosion du phénomène Nirvana, Mudhoney est le groupe phare de la scène alternative. Leurs premières productions sur le label Sub Pop défrichent le terreau sur lequel se construira Nirvana et le mouvement musical dit 'grunge' singulier et sans concession. Le groupe ne déviera pas d'un iota sur sa ligne de conduite inspirée du punk et du hardcore des origines.

KYO reprend du service avec un 6e album à l'amplitude dévorante, instantané de notre époque, directement branché aux racines rock du groupe qui vient de fêter ses 20 ans. Leur nouveau single "Mon époque" résume tout en puissance notre besoin urgent de liberté et de retrouvailles ! Kyo remontera sur scène dès début 2022.

Après The Hives, The Soundtrack of Our Lives ou encore Kent et The (International) Noise Conspiracy, la Suède expédie en recommandé Royal Republic, grand groupe à mi-chemin entre Green Day et les Hives, logique.

Après le surpuissant We are the Royal, qui a permis d’ouvrir les portes de l’Europe, trois beaux efforts ont fini d’enfoncer le clou, avant ce Magic, album à la recette nordique imparable : mélodies irrésistibles, refrains entêtants, humour potache et pop punk musclée à tous les étages. Autant dire que ça joue vite et bien. Et fort.

Dub Inc est devenu sans conteste, le groupe le plus emblématique du reggae made in France. C'est avant tout par la scène que ses musiciens et chanteurs se sont imposés depuis dix ans comme fer de lance de la scène française, en apportant un vent de fraicheur incontesté.